exposit

Falling Human
Première, installation de Thomas Israël
Le 16 octobre 2020, toute la journée
Représentation le 16 octobre à 19h30
Gratuit, sur réservation au +32(0)69 88 91 40 ou maisondelamarionnette@skynet.be

Thomas Israël (artiste numérique, plasticien, performer bruxellois) est le lauréat d’un appel à projet lancé cet été 2020 par la Maison de la Marionnette et Transcultures pour la création d’une oeuvre originale croisant arts numériques, scéniques et de la marionnette.

Présenté, à Tournai, dans une première étape installative et performative de création, Falling Human est décrit par son concepteur comme ceci :

De la chute d’un humain en particulier jusque la chute d’une certaine idée de notre civilisation, l’humain qui tombe me fait réfléchir à notre condition, la fragilité de notre station “debout”, autant d’un point de vue physique, psychologique que sociétal. Il m’interpelle organiquement, partant de l’histoire du petit humain qui tente de se redresser, en passant par l’humain blessé luttant pour se relever, jusqu’à l’Histoire d’Homo Sapiens s’élevant jusqu’à sa désincarnation, son remplacement, sa chute ou son anéantissement.

Informations
16.10.2020 – Toute la journée
Performance – 19h30
Gratuit – sur réservation au
> +32(0)69 88 91 40
> maisondelamarionnette@skynet.be
Maison de la Marionnette
Rue Saint-Martin, 47 – Tournai

Transcultures qui a initié, en 2008, le programme d’accompagnement Émergences numériques et sonores en partenariat avec des écoles d’art de Wallonie-Bruxelles et de France; et la Maison de la Marionnette s’associent pour soutenir et valoriser des projets à dimension numérique, intermédiatique ou/et sonore d’étudiants de l’eurométropole issus cette année de ARTS2 (Mons) et de l’ESÄ Nord-Pas de Calais (Dunkerque-Tourcoing).

ECOLE SUPERIEURE D’ART NORD-PAS-DE -CALAIS

Amelia Belhadj (FR) – Silences ambiants
Cette installation invite à explorer les champs électromagnétiques et sons parasites (émis par les smart phones, écrans publicitaires…)  qui peuplent notre quotidien urbain pas toujours perceptibles par notre oreille humaine, en tentant de les rendre audibles afin de prendre connaissance et conscience de cet environnement-« pollution sonore ». Afin de rendre « visibles » ces ondes de manière concrète, de leur conférer une matérialité, Amelia Belhadj a utilisé de la limaille de fer, qui elle même possède des caractéristiques magnétiques et réagit ici aux sons pour devenir, quand elle est comme ici en mouvement, une matière organique.

Annaëlle Oestreich (FR) – La vague
En s’appuyant sur la troisième loi de Newton, appelée la loi d’actions-réactions, Annaëlle Oestreich a rempli d’eau de mer cinq sphères de plexiglass suspendues dont la forme rappelle le pendule de Newton mais aussi la forme d’un boulier ou celle de notre Terre. Il s’agit ici de créer un rapport entre force et fragilité, entre action, non-action et réaction (le visiteur étant invité à actionner le dispositif), renvoyant à nos rapports de force avec la nature.

Réalisé dans le cadre du programme Arts & Sciences, proposé par Prist (programme de recherche images, sciences et technologie de l’ESA Nord-Pas de Calais – Dunkerque/Tourcoing)

ARTS2

Léa Roger (FR/BE) – Rémanence
Le son est comme une présence invisible qui n’existe que par mon écoute. Mais si je ne l’entends plus, alors que reste-t-il de son existence? S’il laisse des indices de sa présence, tel un spectre fantomatique, ce serait comme un rémanence, une lumière qui scintille, une brise qui nous effleure. On pourrait alors contempler le dessin lumineux, éphémère et toujours mouvant des traces invisibles que l’on laisse lorsqu’on se déplace, des pas amplifiés, un dessin qui rendrait compte de l’activité du lieu, comme une partition topographique de la polyphonie de nos déplacements.

Projet initié dans le cadre de Corps sonores (collaboration ARTS2-ESA Nord-Pas de Calais) avec le soutien de Transcultures et des Pépinières européennes de Création

Paul Pirotte (BE) – Casque de lumière
Paul Pirotte aime se promener, le soir, dans les rues, les bois et les champs telle une luciole. Il s’égare alors dans les profondeurs de la nuit pour éclairer son chemin à l’aide de sa voix. Il hurle, crie, en émettant des sons venus d’ailleurs pour produire une énergie primordiale. Avec ce casque difforme ici associé à une vidéo qui rend compte de cette dérive, il provoque une aura lumineuse sur le son de sa voix. Les antennes, les neurones de cet être étrange illuminent -temporairement- ce parcours et l’espace qui l’accueille.

Informations
14 > 25.10.2020
Gratuit – sur réservation au
> +32(0)69 88 91 40
> maisondelamarionnette@skynet.be
Maison de la Marionnette
Rue Saint-Martin, 47 – Tournai

Atlas
De Yann Deval & Marie-G. Losseau
Installation du 8 au 11 octobre 2020
Vernissage le 8 octobre à 18h00
Accessible pendant les heures d'ouverture du Musée
Gratuit
Véritable fable numérique, cette installation est une aventure technologique à explorer en famille.

ATLAS est une œuvre située entre les arts numériques et les arts plastiques , qui se présente sous la forme d’une exposition scénographique réunissant des maquettes réelles et des mondes virtuels interactifs .

Marie-G. Losseau construit des villes imaginaires à la main, seule ou avec des adultes et des enfants lors d'ateliers . Yann Deval scanne les maisons en 3D afin d'immerger l'auditoire via des expériences virtuelles .

Ensemble, utilisant la réalité augmentée et la réalité mixte , ils explorent ces nouveaux espaces, de l'espace physique à la réalité virtuelle, en passant par toutes les couches intermédiaires .

Après avoir été plongés dans un archipel d'îles poétiques, les spectateurs sont invités à construire des villes virtuelles en lançant des graines. Chaque graine fait croître une ou plusieurs maisons, qui en suivant certaines règles urbanistiques, s’adaptant à leur environnement.
Il y a des villes dans les nuages, des villes déracinées, des villes sur pilotis, des villes volantes ... Les spectateurs créent des villes vides, sans habitants, ce qui permet d'imaginer ce qui se passe à l'intérieur de ces habitations. Nommées d'après d'anciennes villes oubliées, telles que Xanadu, Canope, Kerma et Kite, ces villes ont une vie propre, avec ou sans interaction des utilisateurs, tout comme des organismes vivants ...

L'œuvre vous invite à créer de vastes villes dans lesquelles vous pourrez errer et vous perdre. ATLAS cherche à provoquer une réflexion sur l’urbanisme, l’architecture et leur influence sur nos modes de vie. En cherchant à donner vie aux choses inanimées...

Centre de la marionnette
Rue Saint-Martin 47
7500 Tournai - Belgique

Du 16 octobre 2020 au 31 janvier 2021
 

L'exposition Hypnose explore, pour la toute première fois, une histoire culturelle de l’hypnotisme de Mesmer à aujourd'hui, et les liens étroits que les pratiques artistiques ont entretenus avec l’histoire de l’hypnotisme, de la fin du 18e siècle à nos jours.
 

Située au carrefour de l’histoire de l’art, de l’histoire des sciences et de la culture populaire, l’exposition couvre tout le champ des arts visuels et vivants : de la peinture à la sculpture, du cinéma à la performance.

Elle se déroule en deux temps et deux espaces : dans le Cube, un parcours historique et artistique retrace l’évolution de l’hypnotisme et les liens entre l’hypnose et l’art, depuis la fin du 18e siècle jusqu’à l’époque contemporaine. Puis dans la Chapelle de l’Oratoire, l’artiste américain Tony Oursler déploie une installation immersive conçue spécifiquement pour l’exposition, comme un écho expérientiel au parcours du Cube.

L’hypnose endort, l’hypnose fait peur, l’hypnose amuse. L’hypnose n’est pas souvent convoquée dans les musées, probablement pour ces trois raisons réunies. Pourtant, l’hypnose est omniprésente, de manière délibérée ou inconsciente, dans le champ de la création. De Gustave Courbet à Auguste Rodin, en passant par Salvador Dalí ou encore Fritz Lang.

L’hypnose connaît aujourd’hui un net regain d’intérêt dans la culture scientifique et les imaginaires populaires. Mais peu de cas est fait du rôle qu’elle a pu jouer dans l’art. L'exposition Hypnose explore, pour la toute première fois, une histoire culturelle de l’hypnotisme de Mesmer à nos jours, et les liens étroits que les pratiques artistiques ont entretenus avec l’hypnose.

Hypnose couvre tout le champ des arts visuels et vivants : de la peinture à la sculpture, du cinéma à la performance, explorant ainsi l’intérêt des plasticiens, musiciens ou danseurs pour les modes de transmission de l’émotion sous état modifié de conscience.

L’exposition se déroule en deux temps :

• un parcours historique et artistique dans le Cube.

en écho auquel, dans la Chapelle de l’Oratoire, l’artiste Tony Oursler propose une installation immersive.
Le parcours historique – Cube -1
Suivant un parcours chronologique, s’ouvrant à la fin du 18e siècle pour conclure avec la création contemporaine, l’exposition revisite quatre siècles durant lesquels les théories et les pratiques de l’hypnose ont peu à peu été investies par les artistes.
Le parcours se divise en huit sections, chacune mettant en avant une grande diversité d’objets et supports (peintures, gravures, photographies, vidéos…), rythmée par des projections de films (Docteur Mabuse le joueur de Fritz Lang, Anemic Cinema de Marcel Duchamp…). Ainsi le visiteur peut découvrir le véritable Baquet de Franz Mesmer aux vertus thérapeutiques, tant adulé que critiqué, des représentations des expériences de la Salpêtrière, des créations de Gustave Courbet, Auguste Rodin ou encore Salvador Dali, William Wegman, Alain Séchas, Larry Miller...

• L’installation immersive de Tony Oursler – Chapelle

Une installation multimédia de l’artiste américain Tony Oursler, spécialement conçue pour cette exposition, s’empare de la Chapelle de l’Oratoire. Des saynètes vidéo, proches de l’esprit du cinéma des premiers temps, animent un décor peuplé de multiples objets, sculptures et écrans. Tony Oursler y mêle de multiples références visuelles à l’histoire de l’hypnotisme et diverses angoisses contemporaines liées aux technologies numériques.
L’installation est constituée d’une douzaine d’œuvres où sculpture et art vidéo interagissent. On y retrouve par exemple Franz Mesmer et sa caricature, un âne hypnotisant une patiente, Magnetic Tree, un arbre de quatre mètre de haut qui fait référence à l’arbre que Puységur avait magnétisé et auquel des patients se reliaient par des ordes pour guérir, ou encore une pièce faisant référence à la beat generation et à la Dreammachine de Brion Gyson, produisant un phénomène visuel troublant provocant la détente, à la façon d’une séance d’hypnose.
Tony Oursler, en grand virtuose de l’installation immersive fantasmagorique, plonge le spectateur dans une expérience sensible et spectaculaire, questionnant l’attention du public, la distraction et l’emprise.

INTERNE (L’AUGMENTATION DES CHOSES)
Grégory Chatonsky, Goliath Dyèvre
09.10 - 15.11.2020 / Esplanade du MUCEM

Interne est un dispositif matériel pour la réalité augmentée, s’inscrivant dans la série L’augmentation des choses. Il a pour objectif de questionner la production croissante des objets, mais aussi la relation entre l’espace et la technique en laissant une place au manque et à la réflexivité dans l’environnement urbain. Interne intègre la réalité augmentée dans un contexte urbain déterminé tant symboliquement par le recueil de la mémoire des habitants que formellement par “l’augmentation de la réalité augmentée”.

Une proposition de Zinc et Seconde Nature dans le cadre de Chroniques – Biennale des imaginaires numériques.
Curateurs : Mathieu Vabre et Fabien Fabre.
Partenaires : Commission Européenne, programme Creative Europe, Le Ministère de la Culture – CNC – Dicréam, Baugruppe – Hôtel Mercure Prado et Digital Zone.

Manifesta 13 Marseille
42 La Canebière , 13001 Marseille – France

Human Study #1, 3RNP
De Patrick Tresset
Installation du 3 au 11 octobre 2020
Vernissage le 2 octobre de 18h00 à 20h00
Accessible pendant les heures d'ouverture du Musée
Gratuit, sur réservation au +32(0)69 88 91 40 ou maisondelamarionnette@skynet.be
Asseyez-vous et laissez trois robots esquisser votre portrait. 

Human Study #1, est une installation où l'humain devient acteur. Dans une scène rappelant un cours de dessin de la vie, l'humain prend le rôle du gardien d'être esquissé par un certain nombre de robots. Lorsque le sujet arrive sur rendez-vous, il est assis dans un fauteuil. Un assistant attache des feuilles de papier sur les bureaux des robots et réveille chacun d'eux, tordant son bras ou frappant trois fois.

Les robots, artistes minimalistes stylisés, ne sont capables de dessiner que de manière obsessionnelle. Leurs corps sont des vieux bureaux d'école sur lesquels le papier à dessin est épinglé. Leurs bras gauches, boulonnés sur la table, tenant des biros noirs Bic, ne peuvent que dessiner. Les robots, les RNP se ressemblent tous à l'exception de leurs yeux, qu'il s'agisse d'appareils photo numériques obsolètes ou de webcam lowres. Leurs yeux se concentrent sur le sujet ou regardent le dessin en cours. Les séances de dessin durent jusqu'à 40 min, période pendant laquelle l'humain ne peut pas voir les dessins en cours. Le gardien ne voit que les robots alterner entre l'observation et le dessin, parfois en pause. Les sons produits par les moteurs de chaque robot créent une bande-son improvisée. Le modèle est dans une position ambivalente, à la merci du regard des robots, mais aussi comme objet d'attention artistique. En tant que modèle dans une classe de dessin de vie, l'humain est sans personnalité, objet d'étude. Le gardien humain est passif, les robots prenant ce qui est perçu comme le rôle artistique. Bien qu'immobile, le modèle est actif dans le maintien de la pose, pour les spectateurs le gardien fait partie intégrante de l'installation.

Le RNP a été développé à l'origine par Tresset pour pallier un bloc de peintre débilitant. Il peut être considéré comme une prothèse créative ou un autoportrait comportemental. Même si la façon dont Paul dessine est basée sur la technique de Tresset, son style n'est pas un pastiche de Tresset, mais plutôt une interprétation influencée par les caractéristiques du robot. Les dessins recouvrent progressivement les murs de la galerie, jour après jour.

5RNP a été créé au festival Merge en association avec la Tate Modern à Londres en 2012, il a depuis été exposé au Museum of Modern and Contemporary Arts (Séoul) à Ars Electronica 2014 (Linz), BOZAR (Bruxelles), Variation (Paris) , BIAN (Montréal), Update_5 (Gand) où il a reçu le Prix du Public et le 3e Prix du Jury, Musée Mori (Tokyo)

Human Study #1

J'ai conçu Human Study #1 à la  fois comme une installation théâtrale performative. L'œuvre met en scène un certain nombre de robots (1, 3 ou 5), chacun représentant un tiroir stylisé. Ils sont conçus pour être les robots les plus minimaux capables de tirer de l'observation. Les robots sont de la série Paul IV. Leurs corps sont de vieux bureaux d'école d'examen d'anglais en bois, chaque robot a un bras robotique planaire gaucher boulonné au bureau. Le bras est conçu pour avoir les mêmes proportions qu'un humain mais avec seulement la possibilité de déplacer le stylo dans l'avion, il possède quatre articulations actionnées. La dernière articulation représente la main et peut monter et descendre. Sur la main, un élément d'une boussole est utilisé pour tenir le stylo, un biro noir, un médium en cristal traditionnel Bic. 

Les spectateurs posent souvent des questions sur le Bic biro et s'il y a des motivations pour son utilisation dans l'installation, il y a un certain nombre de raisons. Lorsque vous faites une marque, elle n'est pas noire, elle est gris foncé, ce n'est que la superposition de traces qui créera du noir, cela permet une variété de tons et de textures. Le biro est un outil très fiable et prévisible, pigmenté et autre feutre qui sèche et se salit n'étant fonctionnel que pendant quelques heures, un Bic peut dessiner pendant 3 jours 10 heures par jour sans surveillance. Depuis 1950 le «stylo Bic» a vu des minutes changer, il est reconnu comme un design iconique très français. Cela me rappelle l'enfance, les dessins et les griffonnages griffonnés dans les cahiers dans les écoles primaires et postérieures, pour moi c'est lors du dessin comme pratique commencée. 

Au cours d'une représentation, il y a un développement dans le temps qui pourrait être considéré comme une composition dramatique. Au début, il y a une lenteur car je prends mon temps pour épingler le papier sur les robots presque comme un cérémonial, faisant preuve d'un grand soin en plaçant le papier et en disant à la gardienne qu'il / elle doit imaginer être dans un cours de dessin et a prendre une pose digne d'un portrait plutôt que d'un selfie ou d'un cliché, puis avant de réveiller les robots, j'explique ce qui va se passer en premier, en disant «quand je réveille le robot, il va faire quelques mouvements, alors c'est va te chercher, quand il t'aura trouvé il commencera à dessiner ». Au début, c'est un peu excitant pour le modèle car les robots sont occupés à regarder de haut en bas et à dessiner. Le modèle se sent observé, scruté, ce qui pour certains est étrange car ils ne s'attendent pas à se sentir comme ça devant les robots, car ils sentent que quelque chose les observe et les évalue vraiment. Cependant, après un certain temps, cette partie de la session de dessin devient quelque peu répétitive. À un moment donné, un robot s'agite pour attirer l'attention. Après cela, pour certaines personnes, l'ennui s'installe, plus tard, un robot termine son dessin, laissant le gardien penser que la session est presque terminée. Pourtant, il faut encore 10 minutes au robot suivant pour terminer son dessin. Lorsqu'un seul des robots est encore actif, il dessine en traçant quelques lignes, en regardant la gardienne, en regardant le dessin, en regardant la gardienne, en regardant le dessin, en traçant quelques lignes, etc. pendant dix minutes la gardienne devenir impatient et vraiment ennuyé avec ce robot. Quand le dernier robot s'arrête et qu'il y a le soulagement qu'il est fini. Ensuite, le gardien peut se lever et pour la première fois jeter un coup d'œil aux dessins et, espérons-le, être satisfait d'au moins un dessin. Tous les modèles ne réagissent pas de la même manière à la pièce. La réaction dépend également du contexte, et si le gardien a l'expérience du dessin ou du rôle de gardien, ou est capable de laisser son esprit vagabonder. 

Patrick Tresset est un artiste bruxellois qui, dans son travail, explore les traits humains et les aspects de l'expérience humaine. Son travail reflète des idées récurrentes telles que l'incarnation, le temps qui passe / le temps qui passe, l'enfance, le conformisme, l'obsession, la nervosité, le besoin de raconter des histoires et de faire des marques. Il est surtout connu pour ses installations performatives utilisant des agents robotiques comme acteurs stylisés qui font des marques et pour son exploration de la pratique du dessin à l'aide de systèmes informatiques et de robots.

Réservation obligatoire, au lien ci-dessous.

Centre de la marionnette
Rue Saint-Martin 47
7500 Tournai - Belgique

Galerrrie du Grrranit
Du ven 18 Sep au sam 07 Nov

Vernissage spécial les 17 et 18 septembre 2020 en présence de l’artiste de 12h à 22h
Entrée libre sur rendez-vous : jauge limité à 8 personnes par créneau horaire.

L'accélération technologique en constant développement marquant notre temps, s'accompagne d'une prolifération de choses aux propriétés pour le moins singulières. Entrée libre sur rendez-vous : visite limitée à 8 personnes par créneau horaire
On considère par exemple que 40% des comptes Instagram (célèbre réseau social de partage d’images) sont en fait des bots (des programmes automatisés, des robots), alors que 95 millions de photos et de vidéos sont postées chaque jour sur ce même réseau. De même le développement actuel de l’Internet des Objets concourt à disséminer autour de nous une multitude d’objets autonomisés captant, traitant et échangeant tous types d’informations. Ainsi naissent des schémas interactionnels, parfois même vécus de façon insoupçonnée, qui composent des relations inédites : vivants/vivants bien sûr, mais aussi désormais vivants/machines autant que machines/machines.

La démarche artistique de Fabien Zocco donne généralement lieu à des situations qu’on pourrait imaginer issues d’un univers dystopique étrangement proche du monde dans lequel nous vivons. Ses réalisations peuvent être des plus divers : film dont les dialogues sont générés par une intelligence artificielle, automates cubiques se déplaçant au sol, flux de texte composé en direct à partir des lyrics des chansons populaires du moment, robots s’affrontant lors d’une partie infinie de jeux-vidéos… Toutes cependant esquissent des agencements poétiques potentiels où les attributs propres à l’humain et plus généralement au vivant (le langage, la parole, le texte, le mouvement…) sont désormais à partager et à négocier avec la machine.

Les œuvres qu’il propose dans le cadre de l’exposition au Grrranit constituent autant de scénarios d’une technologie-fiction où les rôles habituellement dévolus à l’humain et à l’objet se confondent, se brouillent ou permutent. Chacune, qu’elle fasse intervenir des éléments de robotiques ou encore qu’elle présente des textes concoctés par des machines, place précisément le spectateur face à cette interrogation : et si les choses, livrées à une autonomie programmée, se mettaient dorénavant à tourner sans nous ?

Son travail a notamment été présenté en France (Le CENT-QUATRE (Paris), Le Fresnoy (Tourcoing), Fond Régional d’Art Contemporain Poitou-Charentes (Angoulême)…), en Chine (Pearl Art Museum, Shanghai), au Mexique (Institut Français d’Amérique Latine, Mexico), au Canada (galerie de L’UQTR, Trois-Rivières), en Pologne (programme A-I-R, Wroclaw), en Belgique (Biennale NTAA (Gand), Musée Royal de Mariemont), en Allemagne (GEH8, Dresde) et en ligne (The Wrong – New digital art biennale).

Faire corps - Adrien M & Claire B est un ensemble d'œuvres immersives et interactives, réunies pour la première fois à la Gaîté Lyrique : une exposition-expérience qui nous invite à bouger, danser, interagir.

Initialement programmée du 24 janvier au 3 mai 2020, l'exposition-expérience est prolongée pour la réouverture de la Gaîté Lyrique à partir du 2 septembre 2020 jusqu'au 3 janvier 2021. Pour préserver votre santé et celles de nos équipes, les conditions d’accueil et de visites sont adaptées, respectant les normes sanitaires :
- Masque obligatoire à partir de 11 ans.
- Gel hydroalcoolique sur place.
- Jauge réduite : réservation obligatoire.

Faire corps - Adrien M & Claire B est une exposition-expérience qui présente différentes œuvres de la compagnie, réunies pour la première fois à la Gaîté Lyrique : 

• XYZT (2011-2015), son premier corpus d'œuvres,
• L’ombre de la vapeur (2018), montrée pour la première fois à Paris, pièce produite par la Fondation d’entreprise Martell et adaptée pour la Gaîté Lyrique sur 500m2,
• Core et Effluve (2020), deux pièces contemplatives créées pour la Gaîté Lyrique.

Accompagné d'une musique enveloppante, signée par Olivier Mellano avec les voix enchanteresses de Kyrie Kristmanson, l'émouvant parcours propose un changement de posture et d'attention à l'égard de ce qui nous entoure. Composé d’une dizaine de dispositifs, Faire corps - Adrien M & Claire B forme un vaste ensemble intuitif, éblouissant et curieux, intelligent et vibrant, dans lequel nous sommes invité·e·s à entrer, à bouger, à danser, à interagir.

Nous sommes immergé·e·s dans ce monde vivant qui ne cherche qu’à changer et à se transformer à notre contact, sous l’effet de nos gestes et de nos corps en mouvement. Avançant dans la pénombre, il faut jouer avec l’ombre et la lumière, les points et les lignes, le temps et l’espace, le vrai et le faux.

Depuis 2011, Adrien M & Claire B interrogent le mouvement et son impact dans des œuvres qui mêlent spectacle vivant et arts visuels. S'inspirant des mathématiques et des sciences naturelles, la compagnie Adrien M & Claire B, basée à Lyon, donne vie à un langage poétique visuel, et dessine de singuliers paysages dans lesquels nos corps viennent se perdre et se trouver.

Mirages & miracles est une série d’installations.
Du 16 juin au 18 octobre 2020

Elles incarnent la tentative de fabrication d'un animisme numérique par des dispositifs de réalité augmentée, de réalité virtuelle, d'illusion holographique et de vidéo-projection.

Après avoir présenté l’exposition XYZT, les paysages abstraits en 2013, mais aussi plusieurs spectacles (Fausses notes et chutes de balles, Un point c’est tout et Hakanaï), la compagnie Adrien M & Claire B revient aux Champs Libres, à Rennes, avec Mirages & miracles.

Cette série d’installations illustre merveilleusement la démarche artistique de la compagnie, qui se nourrit des sciences, de la technologie, mais aussi de la nature et des autres arts, pour créer une écriture singulière, profonde et poétique, ludique et interactive. En cela, elle représente également la ligne de programmation de la salle Anita Conti, soucieuse d’offrir des expériences sensibles, accessibles, dans lesquelles la mise en œuvre des technologies les plus innovantes, les inspirations scientifiques, la réflexion sur les questions de société sont toujours sublimées par le regard de l’artiste.

Les Champs Libres
46, boulevard Magenta
35011 RENNES

Recto VRso est une exposition internationale d’art et réalité virtuelle et mixte qui se tient dans le cadre du salon Laval Virtual, du 22 au 26 avril 2020. Conçue par l’artiste-chercheure Judith Guez, Recto VRso a pour objectif d’inviter les œuvres d’artistes, de chercheurs, d’étudiants et d’explorateurs qui interrogent de près ou de loin le médium de la réalité virtuelle, de manière à faire émerger de nouvelles formes artistiques. Recto VRso se compose de deux volets : l’Art&VR Gallery et le Parcours Artistique.

Cette année le thème est "Corps réel / Corps virtuel"
C'est un appel à explorer la relation du spectateur avec le travail: du contact initial à la temporalité de la rencontre. C'est un défi de considérer la manière dont le corps est impliqué dans la philosophie artistique et comment, entre corps réels et virtuels, de nouvelles formes artistiques peuvent émerger.

L’Art&VR Gallery, est l’exposition officielle de Recto VRso. Cette galerie présentera une quinzaine d’œuvres sélectionnées lors d’un appel à projet international autour de la thématique Corps réel / Corps virtuel.

Un parcours d’expositions artistiques dans des lieux emblématiques de Laval (du Théâtre de Laval, aux Bains-Douches, en passant par le Musée d’Art Naïf et des Arts Singuliers, le jardin de la Perrine et le Bâteau Lavoir); présentant plus librement des projets émergents, autour d’une thématique particulière ou hybridant différentes pratiques et laissant part à l’exploration artistique.