Samsung a mis le paquet lors de leur événement présentant le Samsung Galaxy S7, en proposant à tout le monde, audience incluse, d'utiliser un Gear VR afin de découvrir le produit. Mais ce n'est pas tout, car elle a aussi annoncé que les premiers possesseurs du Galaxy S7 obtiendront un Gear VR gratuitement !

En effet, Samsung offre un Gear VR ainsi que 6 jeux pour chaque Samsung Galaxy S7 pré-commandé sur le Samsung Shop entre le 22 février au 10 mars 2016, dans une limite de 300 000 commandes. Petite déception toutefois, car le S7 possède la même résolution d'écran que le Galaxy S6, et donc ne proposera pas une expérience VR radicalement différente.

Cependant, il possède tout de même une batterie plus importante (3000 mAh pour le S7, 3600 mAh pour le S7 Edge), pourra utiliser des cartes micro SD et embarquera chez nous un processeur Exynos 8890 ainsi qu'un GPU Mali-T880 MP12, qui sont bien plus puissants que les anciennes versions. De plus, il sera mieux refroidi, ce qui lui permettrait théoriquement d'être plus stable d'un point de vue performance et de beaucoup moins chauffer. Il utilisera aussi Vulkan, le successeur d'OpenGL qui apporterait un boost de performance non négligeable et une meilleure gestion des ressources.

Le Samsung Galaxy S7 est d'ores et déjà disponible à la pré-commande pour 699 euros. La version Edge quant à elle, est proposée à 799 euros.

De la littérature, de la BD, des jeux, du fantastique, de l'imaginaire, du jeu de rôle grandeur nature, des artefacts, des costumes, de l'art, de la mode, de la fête !

GLOBAL: New Sensorium - Sortie de l'échec de la modernisation

Début 05 mars 2016 au 04 septembre /2016

Type d'exposition: exposition thématique

Situation: ZKM_Lichthof 1 + 2

Coût: d'entrée du musée

Description
L'exposition «New Sensorium - Sortie échecs de modernisation» des spectacles - à partir de la définition classique de «l'Asie», comme continent eurasien, moins d'Europe - travaille principalement de la non-occidentale, les artistes asiatiques. Il se concentre sur de nouveaux domaines d'expérience sensorielle comme preuve de cette nouvelle conscience qui découle de la mondialisation et les technologies numériques. Cependant, le sensorielle ne signifie pas seulement des sensations, mais inclut également les processus cognitifs associés à réévaluer nos conditions de vie changeantes. En ce sens, le nouveau sensorium comme une collection de ressources est entendu, l'aide que nous pouvons engager activement avec le transitoire découlant de notre relation étroite virtuelle et notre vie réelle.

Tout comme le terme «Asie» se distingue non seulement pour une seule culture ou l'origine ethnique, mais plutôt des traditions non-européennes en Eurasie, est "New Sensorium" marqué par un logo qui se distingue nettement du modèle européen: Une traitant artistique intuitive des phénomènes et une pensée de fusion globale et l'action peut être une division en sujet et objet devenu obsolète et ainsi contrecarrer le dualisme anthropocentrique qui a dominé la compréhension occidentale du monde de manière durable, mais - comme Bruno Latour et autres l'ont souligné - a donné naissance à aucune idéologie de travail réel ,

Compte tenu de notre désormais redécouvrir environnement informationnel et les progrès en ce qui concerne les technologies pour la production et la distribution de données numériques, il est grand temps de remettre en question la relation entre la matière, l'information Ellen et notre propre corporéité.

Beaucoup d'artistes qui sont parmi les «natifs numériques» ont passé leur vie dans la situation instable, mais dynamique, dans le contexte de bouleversements idéologiques des trente dernières années, qui a conduit à la capitalisation et de l'urbanisation de l'Asie, la mémoire culturelle prémoderne ou traditionnelle à nouveau se connecter avec le contemporain ou la nécessité de le résoudre par lui. Ils utilisent les médias numériques comme un outil pour créer de nouveaux environnements et de là, à préserver leur santé mentale. En l'espace numérique, ils peuvent opérer librement et de développer les techniques de survie si les crises politiques, sociales et communautaires dans leur environnement réel. Dans des procédés tels, des sentiments, des sensations et des perceptions sont nés qui ont le potentiel de développer une force productive, critique et poétique qui se pose rarement dans la salle réelle.

"New Sensorium" montre des œuvres d'environ 15 artistes qui peuvent deviner la voie à suivre dans l'avenir et d'explorer des moyens de sortir de la confusion sombre de la modernité dualiste. L'exposition est une étape dans un nouvel écosystème des médias et du matériel, qui est orientée vers un avenir différent, et d'autres corps - et donc un retour à l'organisme. (Yuko Hasegawa)

Collaborateurs et artistes
Yuko Hasegawa (conservateur)Saâdane AfifTarek AtouiRohini DevasherValia FetisovTara KeltonNil KoettingMirai MoriyamaMagdi MostafaKohei NawaBruce QuekRaqs Media CollectiveRhizomatiksSptuniko!Shiro Takatani / Dumb TypeLin Ke

RÉSUMÉ

Cette journée d’étude voudrait se centrer autour des métamorphoses du corps et de ses  transformations au sein des textes littéraires et des œuvres artistiques.

ANNONCE

Journée d’études, 31 mars 2016

Université de Franche-Comté, UFR SLHS, Grand Salon

Argumentaire
Cette journée d’étude voudrait se centrer autour des métamorphoses du corps et de ses transformations au sein des textes littéraires et des œuvres artistiques. Nœud d’énonciation et source de changements continus (J. Fontanille 2004, I. Darrault- Harris 2007), substrat principal de perception (Thomson-Varela, 2001) et de construction du monde (Merleau-Ponty, 1945), le corps a toujours fasciné ces deux domaines qui l’ont rendu sujet ou objet d’expressions esthétiques. A l’image d’une Virginia Woolf qui dans Une chambre à soi prône le féminin-masculin ou le masculin-féminin en écriture, la traversée des genres tant esthétiques que sexués en art comme en littérature, permet de poser le corps en mutation comme moteur privilégie de la création, suscitant/exigeant de nouveaux modes d’expression et se donnant à voir, lire et entendre de multiples manières. Du moment que le corps a toujours été appréhendé dans sa performativité par ses mises-en-scène comme par ses mises-en-texte, nous allons étudier l’expression de ces mutations qui peuvent prendre la forme de simples modifications à la limite de l’imperceptible ou de changements beaucoup plus radicaux, allant jusqu’à la crise des codes mêmes de la représentation.

Historiquement la question du corps de l’artiste, de sa monstration en art, tout à la fois comme support et œuvre a été investie dès le début du XXe siècle, l’aventure a été mise en voix par les Futuristes & Dada - et bien d’autres ensuite qui, tous, brouilleront les voies en explorant tout autant le genre, l’attitude, la langue, l’identité …débordant les limites des corps, de l’art, en des points de fusion entre les arts plastiques, la danse, le son, la poésie… s’approvisionnant dans le réservoir infini du geste quotidien et des usages de l’habitude. Approcher les métamorphoses à l’œuvre au sein de cet espace corps-art-littérature, c'est affronter certainement des questions cachées, dissimulées dans l’incarné qui fonde, comme l’écrit J. Kristeva, « la signification et la communication (...)   loin d’être une idéalité pure ».  

Avatar des dernières mutations culturelles et sociétales, le corps en métamorphose (le cyborg, l’hybride, le cisgenre) nous offre de nouvelles images de la contemporanéité (Arnaud 2012, Espineira 2014 et 2015). De nouvelles différences et ambiguïtés surgissent tant dans la variété des arts que dans les genres littéraires de plus en plus poreux et hybrides. Aussi l’indicibilité du corps et de ses mises en scène engendre-t-elle de nouveaux modes de représentation ou invite à un re-investissement  des formes plus anciennes qui y retrouvent ainsi un nouvel élan.

Les différentes conceptualisations avancées dans de multiples champs du savoir seront nos outils d'analyse, des arts visuels (image fixe et mobile, performance) jusqu’aux gender studies, en passant par les études culturelles et la littérature. L’articulation entre corps physique et identité sexuée, entre genre(s) esthétique(s) et genre(s) sexuel(s), peut se passer des mots ou bien entrer en dialogue avec eux, pour s’exprimer. 

Modalités de soumission
Les propositions de communication (300 mots) et une courte bio-bibliographie sont à envoyer avant le 21 février 2016, à ces adresses électroniques :

margaret.gillespie@univ-fcomte.fr  et nanta.novello-paglianti@u-bourgogne.fr

Comité scientifique
(et contact)

Margaret Gillespie, MCF,  CRIT, Université de Franche - Comté
Nanta Novello Paglianti, MCF,  CIMEOS, Université de Bourgogne
Michel Collet, ProFessuer, INstitut Supérieur des Beaux Arts, Franche- Comté
 

Rimbaud, Le dernier homme est une fiction multimédia interactive, créée par Fran Lejeune et Jean-Michel Rolland, publiée par Le Gaulois Nomade. Spécialement conçue pour les smartphones et tablettes sous androïd, elle projette la vie d’Arthur Rimbaud dans un univers futuriste. Arth, hacker et poète de 17 ans, part conquérir la capitale alors qu’une guerre mondiale explose. Sa révolte le met en mouvement, emportant dans sa tourmente un autre grand esprit de son temps, Saul Verlaine. 
Outre de multiples œuvres génératives rendant hommage au poète, l'appli propose une articulation non hiérarchisée entre texte et animations. A la croisée de différentes pratiques, le lecteur alterne entre immersion fictionnelle et moments ludiques, contemplation et interaction. 

Les 18, 23 au 26 février et du 1er au 4 mars 2016,

A 19h,
A la Satosphère, 1201, boul. St-Laurent, Montréal.

Muni d'un piano droit ancré sur le roc du Bouclier canadien, aux limites de la taïga, Roman Zavada a repoussé ses limites créatives en s'inspirant de l'un des phénomènesles plus grandioses et majestueux de notre planète: les aurores boréales. Un spectacle immersif haut en couleur dans lequel Zavada propose un dialogue entre les résonnances du piano et les aurores boréales filmées en temps réel et en 360 degrés.

Plongez en plein coeur de la forêt boréale, sous les aurores, pour une expérience inégalée et unique au monde!

L'exposition: Matérialité de l'invisible - L'archéologie des sens.
Du 13 février au 30 avril 2016.
Vernissage public samedi 13 février de 14h à 19h

dans le cadre du programme européen NEARCH, en collaboration avec l’Inrap

L'art et l'archéologie ont en commun de rendre visible ce qui ne l'était pas, ou plus. Dans le cadre du projet européen NEARCH* qui, depuis 2013, vise notamment à développer les liens entre archéologie et art contemporain, le CENTQUATRE-PARIS, en collaboration avec l’Inrap (Institut national de recherches archéologiques préventives), présente Matérialité de l'invisible, l’archéologie des sens.

L'exposition réunit des artistes aux univers différents qui ont à cœur de transmettre dans leurs œuvres  (sculptures, vidéos, installations..) ces alchimies et ces histoires qui nous échappent et qui pourtant constituent en partie nos existences. Les sculptures, vidéos et installations exposées sont issues de résidences auprès d’archéologues ou de recherches personnelles des artistes. Nourris par la rencontre avec ces spécialistes, Julie Ramage questionne la mémoire individuelle et collective, Ali Cherri interroge le sens du patrimoine, Nathalie Joffre filme et mime l’archéologie tandis que Miranda Creswell s’attache à rendre visible l’évolution de paysages à travers le dessin.

Déchiffrer, comprendre, interpréter : telle est la démarche commune des artistes présentés. En s'appuyant sur le dialogue entre art et science, ils proposent une nouvelle manière de regarder autour de soi. Car si elles sont inspirées de faits passés ou de matières, les œuvres n'en font pas le récit historique, pas plus qu'elles ne restituent un savoir à l'état brut.

     
Au contraire, elles cherchent à suivre leur persistance et leurs transformations dans les mémoires individuelles et collectives. A travers elles, les artistes dressent une cartographie sensible, mouvante et non exhaustive du rapport de l’Homme à son environnement et à son histoire.
La relation de l'Homme à la nature est une notion fondamentale dans l'exposition. Elle est présente notamment dans l'installation d'Hicham Berrada, Mesk-ellil, qui inverse le rythme circadien d’une plante à floraison nocturne et nous fait sentir son parfum en journée. L'artiste vient modifier la nature pour nous la révéler de manière encore plus forte. De même, Johann Le Guillerm nous permet de ressentir dans ses sculptures mobiles les mouvements souvent imperceptibles des forces naturelles. D'autres se servent de la matière pour nous parler de la marche du monde. Le duo Agapanthe s'intéresse ainsi de longue date au sucre, aliment au passé chargé symboliquement et politiquement. Ses installations le détournent en une allégorie d'une civilisation qui se condamne à disparaître en surconsommant ce produit à la fois doux et extrêmement nocif.

Fouiller les mémoires ou les sols peut mener à bien des découvertes, y compris celles auxquelles on ne s'attend pas. Les artistes, comme les archéologues, ont coutume de chercher et creuser sans savoir exactement ce qu'ils vont trouver. Et aucune trouvaille n'est définitive, chacune menant à composer et recomposer des histoires et l’Histoire.

Matérialité de l’Invisible réunit les oeuvres d’une dizaine d’artistes qui dressent une cartographie personnelle, mouvante et non exhaustive du rapport de l’homme à son environnement, à son histoire, en particulier à travers une rencontre provoquée entre art et archéologie.

Une exposition collective avec : Agapanthe (Konné et Mulliez), Hicham Berrada, Ali Cherri, Miranda Creswell, Johann Le Guillerm, Nathalie Joffre, Anish Kapoor, Julie Ramage, Ronny Trocker...

direction artistique : José-Manuel Gonçalvès

horaires : les mercredis, jeudis, samedis et dimanches de 14h à 19h

pendant les vacances scolaires : du mardi au dimanche de 14h à 19h

Formes d(e l’)Apocalypse
Colloque international organisé par l’EA 1569 - Transferts critiques et dynamique des savoirs de l’université Paris 8 - Le Cube – Centre de création numérique - Etudes Montpelliéraines du Monde Anglophone - (EMMA) – EA 741 - Université de Bretagne Sud (HTCI) – EA 4249

Au début du 21e siècle, les thèmes apocalyptiques et post-apocalyptiques envahissent tout autant les bulletins d’information du monde réel que la fiction, dans un contexte culturel dominé par les peurs qui ont accompagné l’histoire des hommes (prophéties religieuses annonçant l’apocalypse et la révélation, peur des fléaux susceptibles d’anéantir l’humanité, le ravissement qui pourrait ne laisser la Terre qu’aux misérables, abandonnés de Dieu).

Or, face aux réalités du vingtième siècle (deux guerres mondiales, la bombe atomique) et aux événements du tournant du siècle (les terreurs millénaristes, le 11 septembre), ces thématiques se sont faites plus pressantes.
Ce que « Formes d(e l’) Apocalypse » se propose d’explorer ne se limite pas à la simple persistance des peurs apocalyptiques archaïques ou à l’émergence de nouvelles frayeurs, mais les discours et les motifs spécifiques de l’apocalypse, véhiculés par la littérature, le cinéma, l’historiographie, le discours religieux… En effet, l’apocalypse convoque la notion d’horizon non seulement en tant que fin téléologique, mais aussi en tant que champ de potentialités qui caractérisent le monde indéfini qui va finir, ce qui implique la délinéation de sa, ou de ses formes.

Apocalyptic and post-apocalyptic themes pervade both real-world news and fiction in the early 21st century, within a cultural context dominated by fears that have accompanied human history (religious prophecies of apocalypse and revelation, the fear of plagues that could destroy humanity, the rapture that may leave the Earth only to the godforsaken). These fears have taken on a new urgency with 20th-century realities (two World Wars ; the nuclear bomb) and turn-of-this-century events (terrors of the Millenium ; 9/11). “Forms of (the) Apocalypse” will explore the persistence of archaic apocalyptic fears — or the birth of new ones—, as well as the specific discourses and motifs of the apocalypse carried by literary, filmic, religious, and historiographic. The apocalypse calls up the notion of horizon not only as a teleological end but also as a field of potentialities characterizing the indefinite world that is to end, which involves the delineation of its own form(s).

 
Informations pratiques
Mardi 15 mars - Université Paris 8, 2 rue de la Liberté 93526 Saint-Denis
Mercredi 16 mars - MSH Paris-Nord, 20 Avenue George Sand, 93210 Saint-Denis
Jeudi 17 mars - Le Cube, 20, Cours Saint Vincent 92130 Issy-les-Moulineaux
De 09h00 à 19h00

Contact:
Arnaud Regnauld - aregnauld@univ-paris8.fr

Deux expositions solo:

Christine Sciulli - ROIL 

Nona Faustine - White Shoes

Réception des artistes: samedi, 9 Janvier 5-8pm 
Dates de l'exposition: Janvier 9 - 21 Février, 2016

Artiste Discuter: Nona Faustine en conversation avec Jorge Alberto Perez

Smack Mellon a le plaisir de présenter deux expositions personnelles de Christine Sciulli et Nona Faustine. Les deux artistes travaillent actuellement à New York au sein d'une lentille contemporaine unique et irrésistible. 

L'installation de Christine Sciulli, ROIL crée une expérience immersive qui transforme la galerie de l'espace de Smack Mellon afin de refléter sa fonction historique comme une maison de la chaudière qui a créé la chaleur de la vapeur et de l'énergie pour les bâtiments à proximité dans le début des années 1900. Une vidéo multicanal influencée par la production de vapeur sous pression est projetée sur masses sculpturales de tissu.

Nona Faustine White Shoes est une série poignante d'autoportraits qui sont à la fois autobiographique et un hommage historique aux femmes noires qui étaient des esclaves. Les emplacements de la série des chaussures blanches sont l'héritage historique et géographique de l'esclavage à New York. Faustine se photographie debout, nue, dans les sites autour de New York City qui étaient auparavant associés à l'esclavage. En exposant sa propre vulnérabilité, Faustine appelle également l'attention sur l'exploitation passée et présente du corps des femmes noires.

Christine Sciulli 
ROIL

«Mes explorations plus récents se sont concentrés sur la projection de géométries planes à travers différents réseaux tridimensionnels pour générer un mappage dynamique des géométries solides de la lumière dans l'espace. Dans cette installation, des cercles de lumière blanche projetés développent et réduisent l'espace caverneux de Smack Mellon dans une frénésie, ce qui nous ramène à la vapeur mouvante qui a alimenté les usines environnantes. 

La maison actuelle de Smack Mellon a appartenu à Robert Gair, qui a fait breveter son design révolutionnaire pour une boîte à couvercle en trois dimensions structurellement saine plié à partir d'une seule feuille à deux dimensions de papier sans adhésifs en 1900. Industriel Gair logé ses opérations de produits de papier très variées dans plusieurs bâtiments concentrés dans DUMBO. "Gairville" a été alimentée par de tonnes de charbon a chuté à travers chutes creusées dans la 4ème et 5ème étages de cet ancien moulin. Chaudières dans cette vaste salle surchauffée, baratté et comprimé eau dans un sifflement de la vapeur qui pulsé à travers des tuyaux et assises dans des bâtiments adjacents fournissant de la chaleur et de l'énergie. Racing progrès et en expansion rapide industrialisation, rendue possible par l'expansion cinétique relativement simple de l'eau en vapeur qui pourrait fournir de nombreux usages, a été le point de départ de mon installation immersive, spécifique au site, "ROIL." Mon installation étend à travers le industrielle opportunités salle proposant à l'habitent est des passages, des grottes, des recoins, des moyeux et faibles surplombs qui deviennent clair pour le spectateur adaptation aussi sombre a lieu ". 

Christine Sciulli est une artiste visuelle dont le principal médium est la projetion de lumière. Sciulli a été sélectionnée pour l'Académie américaine des Arts et des Lettres 2014 Invitational Exposition d'arts visuels. Ses installations ont été présentées dans le Parrish Art Museum, South Fork Musée d'Histoire Naturelle, Frederieke Taylor Gallery, Edward Hopper House Art Center, et le Musée Islip Art où Janet Goleas décrit son installation comme «une émeute calme de chaos contrôlé." Sciulli titulaire d'un diplôme d'ingénierie architecturale de l'Université Penn State, où il obtient un Besal Scholar, ainsi que BFA et MFA degrés dans Combined médias du Hunter College, où elle a reçu le Perry Award Esther poisson, BFA prix du mérite, et l'Leutz / Reidel Grant Voyage. Le travail de Sciulli fait partie de Rhizome ArtBase du New Museum (Rhizome.org). Elle est membre du Conseil Artiste de l'école de la rue Church de musique et d'art et a été professeur adjoint au programme Lighting MFA à la Parsons New School for Design. En plus de son spectacle au Smack Mellon, en 2016 Sciulli présentera le travail à la LABspace du Berkshire et représentera les Etats-Unis au 2016 Wadden Festival de marée au Danemark.

Adresse:

Smack Mellon 

92 rue Plymouth @ Washington 
Brooklyn, NY 11201

La galerie est ouverte mercredi - dimanche 12h00-18:00

A l’occasion la quatrième édition de la Semaine des Arts qui se déroulera du 21 au 25 mars 2016 sur la thématique « L’art s’engage », l’Université Paris 8 recherche activement des personnes susceptibles de proposer et assurer un spectacle utilisant une scène mobile.

Si vous êtes interessé, merci de contacter :

Patrick Masclaux: patrick.masclaux@univ-paris8.fr ;
Benjamin Capdevila:  benjamin.capdevila@univ-paris8.fr ;
Pour les étudiants et professeurs du département Théâtre :

Luigi D’ARIA: regie.theatre@univ-paris8.fr
ou
Marie-Ange RAUCH: marie-ange.rauch@univ-paris8.fr
 

En savoir plus sur le projet CIEN PIES

En 2015, une structure itinérante de théâtre autonome a été entièrement construite à l’Université avec des matériaux de récupération. Cette initiative fut soutenue par le FSDIE.

Ce projet a suivi une démarche engagée, associant des pratiques théâtrales à celles de l’architecture, du développement durable et de la solidarité internationale.