artiste

Deux expositions solo:

Christine Sciulli - ROIL 

Nona Faustine - White Shoes

Réception des artistes: samedi, 9 Janvier 5-8pm 
Dates de l'exposition: Janvier 9 - 21 Février, 2016

Artiste Discuter: Nona Faustine en conversation avec Jorge Alberto Perez

Smack Mellon a le plaisir de présenter deux expositions personnelles de Christine Sciulli et Nona Faustine. Les deux artistes travaillent actuellement à New York au sein d'une lentille contemporaine unique et irrésistible. 

L'installation de Christine Sciulli, ROIL crée une expérience immersive qui transforme la galerie de l'espace de Smack Mellon afin de refléter sa fonction historique comme une maison de la chaudière qui a créé la chaleur de la vapeur et de l'énergie pour les bâtiments à proximité dans le début des années 1900. Une vidéo multicanal influencée par la production de vapeur sous pression est projetée sur masses sculpturales de tissu.

Nona Faustine White Shoes est une série poignante d'autoportraits qui sont à la fois autobiographique et un hommage historique aux femmes noires qui étaient des esclaves. Les emplacements de la série des chaussures blanches sont l'héritage historique et géographique de l'esclavage à New York. Faustine se photographie debout, nue, dans les sites autour de New York City qui étaient auparavant associés à l'esclavage. En exposant sa propre vulnérabilité, Faustine appelle également l'attention sur l'exploitation passée et présente du corps des femmes noires.

Christine Sciulli 
ROIL

«Mes explorations plus récents se sont concentrés sur la projection de géométries planes à travers différents réseaux tridimensionnels pour générer un mappage dynamique des géométries solides de la lumière dans l'espace. Dans cette installation, des cercles de lumière blanche projetés développent et réduisent l'espace caverneux de Smack Mellon dans une frénésie, ce qui nous ramène à la vapeur mouvante qui a alimenté les usines environnantes. 

La maison actuelle de Smack Mellon a appartenu à Robert Gair, qui a fait breveter son design révolutionnaire pour une boîte à couvercle en trois dimensions structurellement saine plié à partir d'une seule feuille à deux dimensions de papier sans adhésifs en 1900. Industriel Gair logé ses opérations de produits de papier très variées dans plusieurs bâtiments concentrés dans DUMBO. "Gairville" a été alimentée par de tonnes de charbon a chuté à travers chutes creusées dans la 4ème et 5ème étages de cet ancien moulin. Chaudières dans cette vaste salle surchauffée, baratté et comprimé eau dans un sifflement de la vapeur qui pulsé à travers des tuyaux et assises dans des bâtiments adjacents fournissant de la chaleur et de l'énergie. Racing progrès et en expansion rapide industrialisation, rendue possible par l'expansion cinétique relativement simple de l'eau en vapeur qui pourrait fournir de nombreux usages, a été le point de départ de mon installation immersive, spécifique au site, "ROIL." Mon installation étend à travers le industrielle opportunités salle proposant à l'habitent est des passages, des grottes, des recoins, des moyeux et faibles surplombs qui deviennent clair pour le spectateur adaptation aussi sombre a lieu ". 

Christine Sciulli est une artiste visuelle dont le principal médium est la projetion de lumière. Sciulli a été sélectionnée pour l'Académie américaine des Arts et des Lettres 2014 Invitational Exposition d'arts visuels. Ses installations ont été présentées dans le Parrish Art Museum, South Fork Musée d'Histoire Naturelle, Frederieke Taylor Gallery, Edward Hopper House Art Center, et le Musée Islip Art où Janet Goleas décrit son installation comme «une émeute calme de chaos contrôlé." Sciulli titulaire d'un diplôme d'ingénierie architecturale de l'Université Penn State, où il obtient un Besal Scholar, ainsi que BFA et MFA degrés dans Combined médias du Hunter College, où elle a reçu le Perry Award Esther poisson, BFA prix du mérite, et l'Leutz / Reidel Grant Voyage. Le travail de Sciulli fait partie de Rhizome ArtBase du New Museum (Rhizome.org). Elle est membre du Conseil Artiste de l'école de la rue Church de musique et d'art et a été professeur adjoint au programme Lighting MFA à la Parsons New School for Design. En plus de son spectacle au Smack Mellon, en 2016 Sciulli présentera le travail à la LABspace du Berkshire et représentera les Etats-Unis au 2016 Wadden Festival de marée au Danemark.

Adresse:

Smack Mellon 

92 rue Plymouth @ Washington 
Brooklyn, NY 11201

La galerie est ouverte mercredi - dimanche 12h00-18:00

La réalisatrice Kouhei Nakama, travaillant à WOW inc., s'interroge dans sa vidéo DIFFUSION (2015) sur: « Pourquoi les humains n’ont pas de motifs sur la peau comme les animaux ? - Les humains seront en mesure de l'obtenir». Ce court métrage d'animation 3D expose sur la musique Highway to the Stars, de Kai Engel, pendant 2 min 30 la possible métamorphose du corps humain par une évolution de la texture de sa chaire.

Exposition du 18 décembre 2015 au 3 avril 2016.

Artsites: Frédéric Curien / Jean-Marie Dallet / Hervé Jolly

Depuis l'avènement du "temps réel" cybernétique, le temps s'est refermé sur lui-même et l'instantanéité a tué l'espace. Cependant, des résistants tentent d'ouvrir des voies à de nouveaux agencements spatio-temporels. Regroupés au sein du collectif SLIDER_lab, ils répondent au nom de code "SKYLINE".

SKYLINE nous entraîne dans des voyages sidéraux, à la rencontre de météores qui sont tous porteurs d'espaces mémoriels, ils mettent en scène de nouvelles relations entre les images mouvements et les sons, entre les dispositifs et le public.

Le SLIDER_lab est un collectif d'artistes créé en 2005. Il prend en compte un territoire esthétique émergent autour des images animées, de l'architecture et du numérique. Une démarche qui s'étend actuellement aux formes contemporaines de représentation et de navigation dans les collections de l'audiovisuelles.

Le SLIDER_lab mène des expérimentations artistiques et techniques ambitieuses sur le snouvelles manières de concevoir et de réaliser le cinéma. Les logiques mises en place déconstruisent le modèle d'organisation linéaire et privilégient la performance audiovisuelle, le jeu et les rencontres des images entre elles.

Idoll est une projection interactive qui explore notre culte des icônes et de l'interactivité comme un moyen de construire notre identité. Réalisée par l'artiste et designer interactif, Filipe Vilas-Boas, cette installation imsersive et interactive a été présentée à la Flaq du mardi 8 au jeudi 10 décembre 2015, au 36 rue Quncampoix, à Paris (4° arrondissement).

Le dispositif artistique de type immersive placé dans les catacombes utilise une sculpture antique de la Vierge Marie sur laquelle est projeté l'infiniment grand de la voie lactée. Un algorithme permet de reconnaitre les visage des visiteurs qui se voient mapper sur la Madone. 

Une sorte de mise à jour ou de hack pour le fixer, si l'on peut dire. Comme l'objet de notre adoration quotidienne, l'Internet est devenu notre nouvelle Bible; nouveaux comprimés ont remplacé l'ancien. Nous vivons dans un monde où la technologie overconnected est sanctifié, où la croissance personnelle arrive horizontalement plus que verticalement. Nous nous élevons et nous cherchons validation par nos pairs au lieu de nos prédécesseurs. Merci à la photographie numérique, selfies sont devenus nos icônes modernes quotidiennes. 

Clavecin oculaire numérique est la nouvelle création de l'artiste Jean-Michel Rolland, qui est conçu d'après les écrits du père Castel de 1735.
Instrument synesthésique où chaque note jouée fait jaillir une couleur déterminée, entre autres du bleu pour le Do, du jaune pour le Mi et du rouge pour le Sol.
Plus l'octave est bas, plus les couleurs sont sombres, plus il est aigu, plus les couleurs sont claires.
L'utilisateur choisit le nombre de touches qu'il souhaite voir apparaître selon sa dextérité, l'octave dans lequel il veut jouer et le volume de l'instrument.
Il choisit également son design parmi les 10 motifs proposés.
A télécharger sur Google Play

Du 16 décembre 2015 au 9 janvier 2016, le performeur Yann Marussich fête 20 ans d'immobilité poétique, politique et esthétique avec Experience of Immobility, 20 years of Performance Acts. 

Une exposition-performative au cours de laquelle l'artiste genevois, lauréat du Prix Ars Electronica, catégorie Hybrid Art, invoque de nouvelles perceptions des pièces marquantes de son répertoire. Comment? En les activant une à une, pendant près d'un mois, proposant une rencontre entre différentes disciplines de l'art contemporain. Il s'agit d'un dialogue étroit entre la danse, la performance et l'installation autour du micro mouvement, du corps et de l'engagement politique de l'artiste. 

Avec cette expérience, un mouvement perpétuel, Yann Marussich active ses performances au Commun (BAC) à Genève en ouvrant un champ de travail en processus constant de transformation. Un acte qui convoque également de nouvelles temporalités puisque le public aura le loisir de découvrir les dispositifs des performances avant, pendant et après l’acte performatif. 

Un nouveau type d'exploration pour Yann Marussich qui a bifurqué au début des années 2000 de la danse contemporaine à l'art de la performance, explorant le micro mouvement et le corps dans son aspect le plus brut. Conçue comme une véritable plongée au cœur de cet art singulier, n'hésitant pas à montrer ses multiples facettes, à dévoiler l'envers de son décor, à remixer, dialoguer, hybrider au lieu de séparer, Experience of Immobility explore également les points de contact entre la pratique de Yann Marussich, celle d’autres performeurs et différentes disciplines artistiques ou critiques grâce à des installations, des expositions, des rencontres et des projections. 

Un événement qui permettra au public d'avoir un bel aperçu du répertoire protéiforme de l'artiste grâce à de nombreux rendez-vous : nouvelle création « La Chaise », exposition collective (photographies, installations), conférences de Bernard Andrieu, Franko B. , Giorgio Cipoletta, Jens Hauser et George Vigarello, performances d’artistes invités (notamment La Ribot, Sara Panamby et Filipe Espindola) et un 31 décembre hors-norme au Galpon.

La designer de mode basée à Istanbul, Ece Özalp, présente en septembre 2015 sa dernière collection : What is Real? , une élégante rencontre entre haute couture et mapping. En 2014, la première collection de Özalp, Perception, avait retenu l'attention de Bİ’ŞEYLER, une agence turque de nouveaux médias spécialisée dans le mapping. Cette agence est convaincue que la communication est un tout avec de nouvelles plates-formes permettant de créer par coalescence différentes disciplines que ce soit le traditionnel ou les nouveaux arts médiatiques. Ainsi les plates-formes existantes peuvent être améliorées et être exploiter par la technologie.

C’est en s'inspirant des lignes et des motifs utilisés dans Perception, que l'équipe de Bİ’ŞEYLER a collaboré avec la jeune créatrice pour réaliser un deuxième défilé alliant light art et captation, dans le but de réaliser un projet entièrement nouveau : un film de mode. Tout d'abord, la conception de la robe réalisée par Ece a été obtenue et numérisé en 3D. Un contenu de fiction a été préparé en utilisant les modèles de la CEE sur le modèle solide obtenu à partir de données de numérisation 3D. Travaux de production ont été menés sur la transformation de formes, de lignes de recherche et des effets 2D de l'image. Les travaux ont été réfléchis sur la robe modélisée utilisant la projection cinématographique mapping.

Le compositeur Mehmet Ünal de musique électronique nouvellement trouvé et la société de design sonore AudioFIL utilisent une technique similaire à l’effet visuel désiré. Les sons bruts sont hachés en petits morceaux, puis filtrer permettant la création d’une composition en utilisant ces particules. Les techniques utilisées sont la modulation AM, la synthèse FM, la synthèse granulaire et la modulation en anneau. Pour embrasser le son original de la pièce, il a également écrit un patch pour M4L AbletonLive. Ainsi, la mise en miroir de la même approche et la technique exacte dans les gravures originales de collecte.

Le nom de la création de la CEE ainsi que sa vision de la nature, Perception, a gagné une autre couche de principe à ce projet. Perception a donné naissance à une autre perception et nous a fait demander ce qui est réel?

Olafur Eliasson a développé le concept visuel pour Tree of Codes, un ballet contemporain, chorégraphié par Wayne McGregor et avec de la musique composée par Jamie xx. La scénographie utilise des ensembles complexes de surfaces réfléchissantes, transparentes, et de réfraction et de la lumière de couleur pour créer un espace de couches dynamique, en constante évolution, et de façon complexe dans laquelle les danseurs sont multipliés créant des chevauchements. Des lumières panoramiques en direction du public provoquent une image spectrale qui se réfléchit par filtres colorés sur la scène, permettant d'y intégrer les spectateurs à l'action scénique. Déclenchée par Arbre de Jonathan Safran Foer de codes (une œuvre sous la forme d'un livre, qui était à son tour inspiré par la rue des Crocodiles, par Bruno Schulz), cette nouvelle, le travail le soir-longueur dispose d'une compagnie de solistes de l'Opéra de Paris et danseurs de Wayne McGregor Random Dance.

L’artiste de l’Arizona âgée d'une vingtaine d'années, Natasha Farnsworth, rend hommage dans une de ses récentes séries photographiques au street artist allemand 1010 qui transforme les murs de la ville en vortex bariolés qui vous emportent dans les limbes du temps. Natasha, quant à elle, s'attaque au body painting, réalisant d’étonnants trompe-l’œil 3D sur des corps nus et à  la peinture acrylique.

Ses travaux sont à découvrir sur son compte Instagram, ci-dessous.