artiste

Portée / est une expérience collective multi-sensorielle réalisée à l’occasion de l’édition 2014 du Festival Kikk, en Belgique, par le collectif Lab212. Les visiteurs errant dans l’espace de la cathédrale Notre-Dame d’Harscamp sont invités à explorer les qualités spatiales et interactives de la musique. Le bâtiment tout entier et le visiteur deviennent instrument faisant de cette expérience une balade poétique. Le centre de la nef se voit occuper par un piano à queue électromécaniques duquel s’échappent des dizaines de câbles luminescents qui vont s’illuminer au rythme de la mélodie. Le visiteur est invité à toucher ces câbles lumineux pour déclencher des notes qui y sont associées. Portée / est une expérience spatio-temporelle complètement immersive dans un lieu atypique. 

Nous sommes confrontés sans cesse à l’image, la vidéo, le numérique. Les écrans nous entourent et il n’y a qu’à traverser les grandes capitales de certains pays du monde pour imaginer ce que sera la ville de demain : une forte exposition à l’image qui aujourd’hui fait partie de notre quotidien.

Le projet « Pixel » est né d’une première rencontre avec Adrien Mondot et Claire Bardainne et de la fascination que cela m’a procuré ; j’ai eu la sensation de ne plus savoir distinguer la réalité du monde virtuel et eu très vite l’envie de tester un nouveau rapprochement en exploitant ces nouvelles technologies avec et pour la danse.

Cette première expérimentation entre la danse et la vidéo interactive a été vertigineuse pour les interprètes participant au projet. Avec la même curiosité et l’esprit d’ouverture qui m’anime, je me confronte pour cette nouvelle aventure à cet univers impalpable qu’est la projection lumineuse développée par la Compagnie Adrien M / Claire B. Le défi de faire dialoguer ces deux mondes, tout comme celui de trouver le subtil équilibre entre les deux pratiques afin que danse et ces représentations immatérielles se répondent sans que l’une ne prenne le dessus sur l’autre, me déstabilisent une nouvelle fois dans ma manière d’appréhender le mouvement. Je poursuis cette quête du mouvement, que je développe et remets sur le métier à chacune de mes créations, avec de nouvelles contraintes et de nouveaux partenaires de jeu.

Comment le danseur évolue-t-il dans un espace fait d’illusion, sur un plateau en trois dimensions, la vidéo pouvant tour à tour accompagner son mouvement tout comme l’entraver ?

Ces nouveaux chemins de découverte me permettent de travailler sur cette extension du réel et de me confronter à un univers impalpable : étrangeté pour un chorégraphe qui se nourrit de corps et de matière. Habiter la danse dans un espace où le corps n’est confronté qu’à des rêves, faire évoluer le geste dans les paysages mouvants créés par Adrien et Claire, qu’ils décrivent ainsi :

« Notre rapport à l’image est celui du trompe l’œil. Nous cherchons à transformer la perception, à brouiller les pistes du vrai et du faux, à franchir les frontières quotidiennes du réel, et faire apparaître des choses qui ne sont pas « possibles » : changer à la volée les propriétés de la matière, inverser la gravité, donner la sensation d’un volume uniquement avec des projections plates. Et c’est également la recherche que mène le danseur, dans le
 hip-hop notamment avec son corps : des bras qui bougent comme s’ils étaient liquides, ou au contraire automatisés, des ralentissements et des accélérations, des effets de marche arrière. »

Nous souhaitons ouvrir la voie d’une conversation entre le monde de synthèse de la projection numérique et le réel du corps du danseur. Nous nous immergeons chacun dans un espace qui nous est étranger de manière ludique, dans le partage, en nous appuyant sur la virtuosité et l’énergie du hip-hop, mêlé de poésie et de rêve, pour créer un spectacle à la croisée des arts.

H OM E OMOR PH ISM est une performance hypnotisante et psychédélique de projection 3D géométrique, réalisée dans le Digital Dome de l’Institute of American Indian Arts. Une création étonnante imaginée par designers turques du Ouchhh Studio.

Un homéomorphisme, également appelé une transformation continue, est une relation d'équivalence et de la correspondance un-à-un entre deux points dans des figures géométriques ou des espaces topologiques qui est continu dans les deux sens.

De nombreuses formes observées dans la nature peuvent être liées à la géométrie. Conformément à la géométrie classique, les formes que l'on trouve dans la nature sont constituées de lignes et de plans, des cercles et des sphères, des triangles et des cônes. Ces formes sont en fait une abstraction puissante de la réalité, nous avons donc besoin objets primitifs pour donner une forme et comprendre la structure complexe qui existe dans la nature.

Notre point de départ était la topographie et les points pertinents de l'objet primitif de chevauchement. L'inspiration vient de l'extrême diversité des reliefs du Nouveau-Mexique (qui est divisé en quatre régions; Grandes Plaines, Montagnes Rocheuses, Plateau du Colorado, du bassin et de la province Range), l'évolution générale de la topographie et homéomorphisme.

Dôme A Performance / V au Nouveau-Mexique

Direction & Animation: Ouchhh

Directeur: Ferdi Alici

Concept de développement: Eylul Duranagac, Ferdi Alici, Selay Karasu

Chef de projet: Selay Karasu

3d plomb: Bahadir Dagdelen

A / V Artistes: Bahadır Dagdelen, Eylul Duranagac, Ferdi Alici, Selay Karasu

Documentation: Selay Karasu

Sound Design : Ali Can Okan, Hakan Ozkan, Mehmet Unal

échantillons sonores: Ryoji Ikeda-Data.Matrix

Anouk Wipprecht est une novatrice dans le monde de la mode et du design notamment avec son concept de Microcontrollers. Passionnée par le domaine des fashion-tech, elle travaille dans le but de trouver une combinaison équilibrée entre design de mode / ingénieur / sciences, et les interactions possibles entre environnement / corps / vêtement. Elle a créé un ensemble impressionnant de dessins améliorés technologiquement réunissant mode et technologie d'une manière inhabituelle. Elle conçoit des tenus technologiques, composées de systèmes complexes qui tendant vers l’intelligence artificielle et réagissent en mouvement à l’environnement (déplacement, souffle…). Cette véritable création artistique allie exosquelette, haute couture et esthétique futuriste. Beaucoup de ses créations ont été exposé dans ce sens.

Anouk Wipprecht enseigne dans différents pays (Pays-Bas, Los Angeles, San Francisco, Chine, Autriche) la couture électronique, travaillant pour la même occasion avec Black Eyed Peas, SuperBowl, Eurovision. Elle est à l’origine de l’exposition TECHNOSENSUAL, invitant à résidence créateurs de modes et ingénieurs, durant l’été 2012 à Vienne (Autriche). L'exposition présente des vêtements qui allient mode et de la technologie tout en élargissant les possibilités de création de mode contemporaine. Ces textiles intelligents sont équipés de composants électroniques tels que des capteurs et des LED ou sont fabriqués à partir de matériaux innovants et futuristes. L'ingénierie interactive des pièces de l'exposition donne aux visiteurs la chance de découvrir la haute couture de la technologie de première main.

Anouk Wipprecht est actuellement basé à Vienne / Autriche, et se déplace entre Amsterdam (NL) Los Angeles (USA) San Francisco (USA) et à Montréal (CA).

Spider Dress

En collaboration avec l'ingénieur Daniel Schatzmayr, Anouk Wipprecht crée une  techno-couture, une robe d'araignée robotique interactive.

Perché sur les épaules du porteur sont animés des membres robotiques qui rampent étrangement autour du corps. Cette robe robotique incite la curiosité des passants tout en dansant pudiquement autour du corps de l'utilisateur. La robe réagit en temps réel à son environnement, protégeant son porteur si quelqu'un s’approche trop vite ou se ferme. Le vêtement devient l’acteur principal se plaçant au premier plan face à son corps-porteur.

Le vêtement interactif  traite du thème l’«espace personnel» et soulève des questionnements tant sur les notions de contrôle que de la vie privée. 

Spider Dress 2.0

La Spider Dress 2.0 a été présenté lors du CES 2014, qui a eu lieu du 6 au janvier 2014, à Las Vegas (Nevada).

La talentueuse designer Anouk Wipprecht, spécialisée dans la couture interactive et l’électronique portatif, conçoit sa Spider Dress 2.0 comme un véritable exosquelette de défense.

Justement appelé la Spider Dress, ce vêtement technologique est une véritable prothèse mécanique animatronique qui répond à des stimuli externes pour défendre l'espace personnel de l'utilisateur. La robe utilise des extensions de capteurs intuitifs: des capteurs de proximité ainsi qu’un capteur de respiration, permettant de définir et de protéger l'espace personnel de l'utilisateur. Approchez-vous du porteur de manière trop agressive et les prothèses mécaniques se déplacent jusqu'à une position d'attaque. Approchez-vous du système de manière calme et la robe ajuste son comportement et vous invite à vous rapprocher avec une succession des mouvements lisses. La robe animatronique / mécatronique construite par imprimante 3D est  activée par la technologie Intel Edison, agissant comme une interface entre le corps et le monde extérieur en utilisant la technologie et le vêtement comme moyen d'interaction.

Loplite est un dispositif numérique de dessin interactif et collectif.

Avec des lampes torches, des bâtons de lumière et des pointers lasers comme « pinceaux » les participants dessinent sur l’écran en pointant la lampe sur le mur ou en manipulant le bâton dans l’espace face au mur. La forme et la position de la source lumineuse manipulée devant le mur détermine le trait du dessin projeté. Comme le dessinateur évolue dans l’espace devant l’écran, la gestuelle du corps fait partie intégrante du processus créatif. Le trait devient le reflet du mouvement. De plus le logiciel LopArtHD permet d’animer les traits, de créer de dessins en mouvement et des animations originales et spectaculaires.

Partant de la technologie multitouch de la société parisienne Muchomedia, et du logiciel de dessin et d’animation LopArtHD, Loplite constitue un dispositif de création numérique sur grand écran pour des artistes et le grand public.

Loplite est distribué par Digitalarti, en collaboration avec Muchomedia.

8Il y a de ça quelques temps, vous avait été présenté Omote (08/2014) qui une projection cartographique sur un visage en temps réel. Le visage se voit considérer comme un miroir qui reflète l'âme humaine, une séparation entre Omote (extérieur) et Ura (intérieur), et Nogaku - comédies musicales classiques du Japon, où les artistes utilisent des masques Omtoe pour exprimer de multitude d'émotions dramatiques.

Tout comme dans Omote, Face Hacking (12/2014) a été créé par Nobumichi Asai où deux performeurs se font pirater leur visage par une tierce personne qui va les réécrire en temps réel. La véritable essence de l'art technologie existe dans la coexistence du 2D et de la 3D, telle que la cartographie de projection où l’expérience spatiale se veut physique et réelle.

L’artiste de part sa formation dans les sciences essaie de créer un bon équilibre entre technologie et formes expressives permettant de faire ressentir une nouvelle esthétique inspirée de l’esthétique traditionnelle japonaise. Les nouvelles valeurs sont créés quand les choses étrangères ou diverses fusionnent.

AMAZE est un labyrinthe d’ombres et de lumière en trois dimensions créant des moments magiques, tout à la fois intimes et collectifs. AMAZE est une installation interactive de l’architecte et artiste visuel Marcos Zotes basé à Reykjavik. L'idée du labyrinthe est fondée l’antithèse de se retrouver à travers la notion de se perdre. Ces passages de branchement complexes forcent les visiteurs à faire des choix parmi les chemins qui s’offrent à eux, entre impasses, carrefours, bifurcations. Les visiteurs sont mis au défi de vivre activement l'œuvre d'art en marchant à travers ses voies étroites, devenant partie intégrante de l'installation.

Rapide à construire, polyvalent, sécurisé et abordable, AMAZE utilise un système d'échafaudage standard comme structure de base, le tout recouvert d'une peau translucide de tissu. La composante visuelle de AMAZE dispose d'un organisme analogue à grille dynamique transformant visuellement l'intégrité structurelle de l'échafaudage. En raison de cette transformation, la désorientation à l’intérieur du labyrinthe est considérablement accentuée.

DAYDREAM v.4 est une installation audiovisuelle créée en 2014, par le duo Noemi Schipfer & Takami Nakamoto, connu sous le nom Nonotak Studio. DAYDREAM est une installation audiovisuelle qui génère des distorsions spatiales. Une véritable relation entre l'espace et le temps se crée par des accélérations, des contractions, des changements et de la métamorphose qui sont le champ lexical du projet. Cette installation vise à établir une connexion physique entre l'espace virtuel et l'espace réel, brouillant les limites et submergeant le spectateur dans un court détachement de la réalité. Les lumières génèrent des espaces abstraits tandis que les sons définissent les échos d'espaces virtuels. DAYDREAM est une invitation à l’émersion dans un paysage sonore et lumineux.

Les quatre écrans sont positionnés en croissant pour permettre une immersion pour le spect-acteur qui se retrouve plonger dans l’illusion d’un tunnel formé par les  conditions d’éclairage. Le soundsystem permet de faire vibrer l’espace permettant au système une sorte de cacophonie ens stéréo qui change suivant les effets visuels. Cette relation symbiotique entre le son et la performance est le résultat d'une combinaison de logiciel Ableton avec le logiciel VJ  Resolume. Le son apparait comme l’élément déclencheur des visuels.

Eunoia est une performance (2013) qui utilise les ondes cérébrales de l’artiste Lisa Park - connectées via EEG sensor- à manipuler les mouvements de l'eau. Il dérive du mot grec "ey" (bien) + "nous" (l'esprit) qui signifie "belle pensée". Le casque EEG utilisé dans cette performance est un capteur de détection des ondes cérébrales. Il mesure les fréquences de son activité cérébrale (alpha, bêta, delta, gamma, thêta) relatif à mon état de conscience tout en le portant. Les données recueillies par l'EEG sont traduites en temps réel pour moduler les vibrations du son avec l'aide des logiciels. L’EEG envoie les informations de son activité cérébrale du traitement, qui est lié avec Max / MSP pour recevoir des données et générer des sons de Reaktor.

Le projet s’appelle Eunoia II – et est donc la seconde version du projet – et la voit s’assoir au centre de ce qui semble être un jardin zen fait de nombreuses flaques dans une salle épurée. Cette jeune artiste est capable de contrôler quelques 48 vasques d’eau avec la seule force de ses ondes cérébrales – et aussi, donc, un casque EEG relié à des bols d'eau intelligents qui captent les dites ondes.

Les 48 vasques représentés les 48 émotions que Spinoza recense dans son livre Ethica. On y retrouve la frustration, l’excitation, la méditation et la dévotion, chacune illustrée de façon différente par les vibrations émises par les flasques. Les vibrations suivent les stimuli nerveux de Park en interprétant un algorithme en autant de mouvements qui se dessinent sur l’eau.