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EXPOSITION: Mécatronique
15 mars > 28 mai 2016
Entrée libre

De l’imaginaire des technologies modernes et contemporaines.

La Mécatronique, vaste sujet souvent assimilé à la technique pure. Avec la démocratisation des fablab et des outils numériques de fabrication artisanale accessibles de plus en plus à tous, les artistes poussent leurs recherches et leurs productions encore plus loin. Leur expertise les transforme en “bricoleurs des temps modernes” et ce dans beaucoup de domaines. Toujours prêts à repousser et questionner les limites des machines et des technologies qui nous entourent et à les détourner.

Le parcours de l’expocollective est construit autour de l’exploration de différents champs, le son, l’image, l’outil et son détournement, la lumière ou encore le mouvement. Venez découvrir, en famille ou entres amis, ces oeuvres sensibles et ludiques, avec des surprises, des ateliers et des découvertes.

EXPOSITION 

• SONICE DEVELOPMENT : Sensing Colorspace
Installation robotique interactive, Allemagne, 2014

• JONAS VORWERK : Lightbox Sequencer 2.0
Installation interactive audio-visuelle, Pays-Bas, 2008

• FLORENT CHAFFIOL : CaricaBot
Installation interactive, France, 2016

EXTRAS 

• Mini Strandbeest & Mini Rhinoceros, spécimens des installations mécaniques de Théo Jansen

Cette deuxième partie s’inscrit dans la continuité de la nuitnumérique#13 afin de permettre au plus grand nombre de découvrir des installations numériques d’artistes internationaux.

VISITES & MÉDIATION 

Un objet de médiation spécifiquement conçu pour l’expocollective sera présenté lors des visites.

Visites tout public en entrée libre, aux heures d’ouverture du Centre.
Visites groupes et scolaires du mardi au vendredi, de 10h à 12h et de 14h à 18h.
Sur réservation au 03.26.77.41.41 ou infos@saintex-reims.com

LIEU

Centre culturel numérique Saint-Exupéry
Chaussée Bocquaine, Esplanade André Malraux,
51100 Reims

08 Mai 2016 - 18 Juin 2016
Grand Palais, Nef

Description
Depuis 2007, des artistes contemporains de renommée internationale investissent la Nef du Grand Palais avec des oeuvres magistrales conçues pour l’occasion. Après Anselm Kiefer, Richard Serra, Christian Boltanski, Anish Kapoor, Daniel Buren et Ilya et Emilia Kabakov, Huang Yong Ping relève le défi en 2016. Représentant de l’avant-garde artistique chinoise, il imagine une installation spectaculaire, qui est aussi une réflexion sur les transformations de notre monde.

Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais.

En partenariat avec kamel mennour, Paris.
 
L’exposition bénéficie du concours de CMA CGM, partenaire principal, ainsi que du soutien de Gide, LVMH / Moët Hennessy . Louis Vuitton et La Vallée Village.
Avec la participation du Chinese Business Club.

Horaires
08 Mai 2016 - 18 Juin 2016
Ouverture de 10h à 19h les lundis, mercredis et dimanches.
Nocturne de 10h à 22h tous les jeudis, vendredis et samedis.

Fermé tous les mardis

Nuit européenne des musées samedi 21 mai : toutes les expositions sont ouvertes et gratuites à partir de 20h. Entrée jusqu'à minuit, fermeture à 1h.

Tarifs
Plein tarif : 10€
Tarif réduit : 5 €
Tarif tribu (4 personnes dont 2 jeunes entre 16 et 25 ans) : 25 €

Partenaires

Depuis 2007, des artistes contemporains de renommée internationale investissent la Nef du Grand Palais avec des oeuvres magistrales conçues pour l’occasion. Après Anselm Kiefer, Richard Serra, Christian Boltanski, Anish Kapoor, Daniel Buren et Ilya et Emilia Kabakov, Huang Yong Ping relève le défi en 2016. Représentant de l’avant-garde artistique chinoise, il imagine une installation spectaculaire, qui est aussi une réflexion sur les transformations de notre monde.

Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais.

En partenariat avec kamel mennour, Paris.
 
L’exposition bénéficie du concours de CMA CGM, partenaire principal, ainsi que du soutien de Gide, LVMH / Moët Hennessy . Louis Vuitton et La Vallée Village.
 
Avec la participation du Chinese Business Club.

- See more at: http://www.grandpalais.fr/fr/evenement/monumenta-2016-huang-yong-ping#sthash.9G8lXUXG.dpuf

Deux expositions à retenir:

-Frac Normandie Caen
exposition du 23 avril au 20 août 2016 > vernissage le 22 avril à 18h30
- Église Saint-Sauveur 
exposition du 25 juin au 20 août 2016 > vernissage le 24 juin à 18h30

ORLAN est l’une des plus grandes artistes françaises. Depuis 1964, ORLAN interroge le statut du corps et les pressions sociales, culturelles, politiques et religieuses qui s’y inscrivent. Elle questionne les découvertes scientifiques, technologiques et médicales, défend l’hybridation, la tolérance et les droits de l’être humain au travers d’identités nomades, changeantes et mutantes. Elle utilise différentes techniques: photographie, vidéo, sculpture, dessin, installation, performance, biotechnologie, réalité augmentée, etc. ORLAN Today est un focus sur ses œuvres numériques - des années 70 à nos jours - et trace une ligne qui va de ses performances au jeu vidéo récent et de ses opérations qui firent scandale à ses prises de positions artistiques et humaines dans l’environnement social et culturel actuel. À partir de son propre corps, ORLAN dresse un portrait de société d’où n’est pas exclu le plaisir du jeu et de la mise en scène - notamment dans ses approches performatives, ses mises en scène baroques, ses jeux avec l’image vidéo, ses récents personnages hybrides et enfin ses œuvres en réalité augmentée. Avec son œuvre la plus récente présentée à l’Église Saint Sauveur Expérimentale mise en jeu, ORLAN détourne les codes des jeux vidéos ; elle reconstruit un univers où le « serial killer » n’est plus le héros, et plonge le visiteur dans l’action virtuelle.

exposition: extra fantômes - Les vrais, les faux, l'incertain

du 7 avril au 31 juillet 2016

Extra Fantômes, la nouvelle exposition de la Gaîté lyrique, explore des visions de la maison hantée à travers le prisme de notre culture numérique.

Une série d’oeuvres contemporaines explore la capacité du numérique à nous connecter à l’impalpable et à l’occulte, ainsi que le passage vers la réalité fantomatique de notre existence technologique, en explorant les champs invisibles, la surveillance automatisée et culmine avec nos propres tentatives de devenir des fantômes aux yeux des machines.

L’expérience se vit à travers diverses figures des fantômes : les vrais, les faux... et l’incertain.

Manipulez, effleurez, touchez... Secrets et illusions mystiques invoquent notre sens d’émerveillement, notre fascination pour le fantastique. Fantôme ou fantasme ? 

Laissez vos sens vous jouer des tours, laissez-vous surprendre.

Avec les artistes et collectifs :

Adam Harvey, Antoine Schmitt, Charlotte Charbonnel, Chris Sugrue, David Ebner, DeFrame, Einar Sneve Martinussen, Golan Levin, Heather Dewey-Hagborg Jack Schulze, Karolina Sobecka, Kyle McDonald, Malte Martin, Mathieu Schmitt, Nils Völker, Onformative, Palm Top Theater, Paolo Cirio, Scenocosme, SemiConductor, Timo Arnall, Tobias Zimmer.

Autour de l’exposition, une série d’ateliers sera proposée avec de nombreux artistes.

• Commissaires : Mouna Andraos et Melissa Mongiat du studio Daily tous les jours
• Consultante artistique : Anne-Sophie Bérard
• En partenariat avec le Centre Phi – Montreal

GLOBALE: raster-noton. white circle

Du 11 mars 2016 au 13 mars2016

Type d'exposition: l'installation

Situation: ZKM_Cube

Coût: Entrée gratuite
Raster Noton

Description
En 2016, le label de musique Raster Noton-présente l'occasion de son 20e anniversaire, en coopération avec le ZKM le "cercle blanc", un espace acoustique et d'architecture, conçu comme une installation audio-visuelle. Quatre artistes du label sont invités à élaborer une composition audiovisuelle exclusive: Alvo Noto, Byetone, Frank Bretschneider et Kangding Ray.

Chaque composition fournit ce service avant, un concept autonome indépendante de l'artiste. Allen travaille est l'idée de la musique ambiante basée sur une musique qui veut faire de l'espace acoustique et stimulus visuel connu directement.

"Cercle blanc" a été conçu exclusivement pour ZKM_Klangdom  conçu. Il est composé de 47 répartis dans les enceintes de la pièce avec le logiciel de contrôle de zirconium peuvent être enregistrés afin que le son lui-même devient l'expérience de l'espace sculptural.

Raster Noton-. Archive des sons enregistrés et nichtton est une plate-forme artistique, un réseau ouvert dans la tension entre la musique et les médias visuels, des arts visuels et de la science. Le label a été lancé en 1996 par Olaf Bender, Carsten Nicolai et Frank Bretschneider et est toujours basée à Chemnitz. Pour les deux dernières décennies, principalement des publications musicales et toujours réserver des projets, des installations et des performances seront réalisés et présentés à l'international par Raster Noton-.

Raster Noton- est maintenant considéré comme l'un des principaux labels de la musique électronique. En plus des fondateurs de l'étiquette autour de 30 autres artistes de renommée internationale actuellement représentés exclusivement par Raster-Noton. 
Dans le cadre de la GLOBAL "cercle blanc" doit être présenté pour la première fois, avant l'installation 2016/2017 des endroits dans le monde à entendre et à voir est.

Mentions légales
Olaf Bender (directeur artistique)
Équipe de l'exposition - Équipe du projet ZKM
Ludger Brümmer (ligne ZKM | Institut de musique et d'acoustique), Götz Ourse (musique Informatique), Hans Gass (la lumière, de la technologie de l'événement), Marie-Kristin Meier (coordinateur du projet), Chikashi Miyama (développement de logiciels), Caro Mössner (Secrétariat), Holger Stenschke (mélangeur), Bernhard Sturm (génie industriel), Luise Wiesmüller (gestion organisationnelle)

Organisation / Institution
Raster Noton-

GLOBAL: New Sensorium - Sortie de l'échec de la modernisation

Début 05 mars 2016 au 04 septembre /2016

Type d'exposition: exposition thématique

Situation: ZKM_Lichthof 1 + 2

Coût: d'entrée du musée

Description
L'exposition «New Sensorium - Sortie échecs de modernisation» des spectacles - à partir de la définition classique de «l'Asie», comme continent eurasien, moins d'Europe - travaille principalement de la non-occidentale, les artistes asiatiques. Il se concentre sur de nouveaux domaines d'expérience sensorielle comme preuve de cette nouvelle conscience qui découle de la mondialisation et les technologies numériques. Cependant, le sensorielle ne signifie pas seulement des sensations, mais inclut également les processus cognitifs associés à réévaluer nos conditions de vie changeantes. En ce sens, le nouveau sensorium comme une collection de ressources est entendu, l'aide que nous pouvons engager activement avec le transitoire découlant de notre relation étroite virtuelle et notre vie réelle.

Tout comme le terme «Asie» se distingue non seulement pour une seule culture ou l'origine ethnique, mais plutôt des traditions non-européennes en Eurasie, est "New Sensorium" marqué par un logo qui se distingue nettement du modèle européen: Une traitant artistique intuitive des phénomènes et une pensée de fusion globale et l'action peut être une division en sujet et objet devenu obsolète et ainsi contrecarrer le dualisme anthropocentrique qui a dominé la compréhension occidentale du monde de manière durable, mais - comme Bruno Latour et autres l'ont souligné - a donné naissance à aucune idéologie de travail réel ,

Compte tenu de notre désormais redécouvrir environnement informationnel et les progrès en ce qui concerne les technologies pour la production et la distribution de données numériques, il est grand temps de remettre en question la relation entre la matière, l'information Ellen et notre propre corporéité.

Beaucoup d'artistes qui sont parmi les «natifs numériques» ont passé leur vie dans la situation instable, mais dynamique, dans le contexte de bouleversements idéologiques des trente dernières années, qui a conduit à la capitalisation et de l'urbanisation de l'Asie, la mémoire culturelle prémoderne ou traditionnelle à nouveau se connecter avec le contemporain ou la nécessité de le résoudre par lui. Ils utilisent les médias numériques comme un outil pour créer de nouveaux environnements et de là, à préserver leur santé mentale. En l'espace numérique, ils peuvent opérer librement et de développer les techniques de survie si les crises politiques, sociales et communautaires dans leur environnement réel. Dans des procédés tels, des sentiments, des sensations et des perceptions sont nés qui ont le potentiel de développer une force productive, critique et poétique qui se pose rarement dans la salle réelle.

"New Sensorium" montre des œuvres d'environ 15 artistes qui peuvent deviner la voie à suivre dans l'avenir et d'explorer des moyens de sortir de la confusion sombre de la modernité dualiste. L'exposition est une étape dans un nouvel écosystème des médias et du matériel, qui est orientée vers un avenir différent, et d'autres corps - et donc un retour à l'organisme. (Yuko Hasegawa)

Collaborateurs et artistes
Yuko Hasegawa (conservateur)Saâdane AfifTarek AtouiRohini DevasherValia FetisovTara KeltonNil KoettingMirai MoriyamaMagdi MostafaKohei NawaBruce QuekRaqs Media CollectiveRhizomatiksSptuniko!Shiro Takatani / Dumb TypeLin Ke

L'exposition: Matérialité de l'invisible - L'archéologie des sens.
Du 13 février au 30 avril 2016.
Vernissage public samedi 13 février de 14h à 19h

dans le cadre du programme européen NEARCH, en collaboration avec l’Inrap

L'art et l'archéologie ont en commun de rendre visible ce qui ne l'était pas, ou plus. Dans le cadre du projet européen NEARCH* qui, depuis 2013, vise notamment à développer les liens entre archéologie et art contemporain, le CENTQUATRE-PARIS, en collaboration avec l’Inrap (Institut national de recherches archéologiques préventives), présente Matérialité de l'invisible, l’archéologie des sens.

L'exposition réunit des artistes aux univers différents qui ont à cœur de transmettre dans leurs œuvres  (sculptures, vidéos, installations..) ces alchimies et ces histoires qui nous échappent et qui pourtant constituent en partie nos existences. Les sculptures, vidéos et installations exposées sont issues de résidences auprès d’archéologues ou de recherches personnelles des artistes. Nourris par la rencontre avec ces spécialistes, Julie Ramage questionne la mémoire individuelle et collective, Ali Cherri interroge le sens du patrimoine, Nathalie Joffre filme et mime l’archéologie tandis que Miranda Creswell s’attache à rendre visible l’évolution de paysages à travers le dessin.

Déchiffrer, comprendre, interpréter : telle est la démarche commune des artistes présentés. En s'appuyant sur le dialogue entre art et science, ils proposent une nouvelle manière de regarder autour de soi. Car si elles sont inspirées de faits passés ou de matières, les œuvres n'en font pas le récit historique, pas plus qu'elles ne restituent un savoir à l'état brut.

     
Au contraire, elles cherchent à suivre leur persistance et leurs transformations dans les mémoires individuelles et collectives. A travers elles, les artistes dressent une cartographie sensible, mouvante et non exhaustive du rapport de l’Homme à son environnement et à son histoire.
La relation de l'Homme à la nature est une notion fondamentale dans l'exposition. Elle est présente notamment dans l'installation d'Hicham Berrada, Mesk-ellil, qui inverse le rythme circadien d’une plante à floraison nocturne et nous fait sentir son parfum en journée. L'artiste vient modifier la nature pour nous la révéler de manière encore plus forte. De même, Johann Le Guillerm nous permet de ressentir dans ses sculptures mobiles les mouvements souvent imperceptibles des forces naturelles. D'autres se servent de la matière pour nous parler de la marche du monde. Le duo Agapanthe s'intéresse ainsi de longue date au sucre, aliment au passé chargé symboliquement et politiquement. Ses installations le détournent en une allégorie d'une civilisation qui se condamne à disparaître en surconsommant ce produit à la fois doux et extrêmement nocif.

Fouiller les mémoires ou les sols peut mener à bien des découvertes, y compris celles auxquelles on ne s'attend pas. Les artistes, comme les archéologues, ont coutume de chercher et creuser sans savoir exactement ce qu'ils vont trouver. Et aucune trouvaille n'est définitive, chacune menant à composer et recomposer des histoires et l’Histoire.

Matérialité de l’Invisible réunit les oeuvres d’une dizaine d’artistes qui dressent une cartographie personnelle, mouvante et non exhaustive du rapport de l’homme à son environnement, à son histoire, en particulier à travers une rencontre provoquée entre art et archéologie.

Une exposition collective avec : Agapanthe (Konné et Mulliez), Hicham Berrada, Ali Cherri, Miranda Creswell, Johann Le Guillerm, Nathalie Joffre, Anish Kapoor, Julie Ramage, Ronny Trocker...

direction artistique : José-Manuel Gonçalvès

horaires : les mercredis, jeudis, samedis et dimanches de 14h à 19h

pendant les vacances scolaires : du mardi au dimanche de 14h à 19h

Deux expositions solo:

Christine Sciulli - ROIL 

Nona Faustine - White Shoes

Réception des artistes: samedi, 9 Janvier 5-8pm 
Dates de l'exposition: Janvier 9 - 21 Février, 2016

Artiste Discuter: Nona Faustine en conversation avec Jorge Alberto Perez

Smack Mellon a le plaisir de présenter deux expositions personnelles de Christine Sciulli et Nona Faustine. Les deux artistes travaillent actuellement à New York au sein d'une lentille contemporaine unique et irrésistible. 

L'installation de Christine Sciulli, ROIL crée une expérience immersive qui transforme la galerie de l'espace de Smack Mellon afin de refléter sa fonction historique comme une maison de la chaudière qui a créé la chaleur de la vapeur et de l'énergie pour les bâtiments à proximité dans le début des années 1900. Une vidéo multicanal influencée par la production de vapeur sous pression est projetée sur masses sculpturales de tissu.

Nona Faustine White Shoes est une série poignante d'autoportraits qui sont à la fois autobiographique et un hommage historique aux femmes noires qui étaient des esclaves. Les emplacements de la série des chaussures blanches sont l'héritage historique et géographique de l'esclavage à New York. Faustine se photographie debout, nue, dans les sites autour de New York City qui étaient auparavant associés à l'esclavage. En exposant sa propre vulnérabilité, Faustine appelle également l'attention sur l'exploitation passée et présente du corps des femmes noires.

Christine Sciulli 
ROIL

«Mes explorations plus récents se sont concentrés sur la projection de géométries planes à travers différents réseaux tridimensionnels pour générer un mappage dynamique des géométries solides de la lumière dans l'espace. Dans cette installation, des cercles de lumière blanche projetés développent et réduisent l'espace caverneux de Smack Mellon dans une frénésie, ce qui nous ramène à la vapeur mouvante qui a alimenté les usines environnantes. 

La maison actuelle de Smack Mellon a appartenu à Robert Gair, qui a fait breveter son design révolutionnaire pour une boîte à couvercle en trois dimensions structurellement saine plié à partir d'une seule feuille à deux dimensions de papier sans adhésifs en 1900. Industriel Gair logé ses opérations de produits de papier très variées dans plusieurs bâtiments concentrés dans DUMBO. "Gairville" a été alimentée par de tonnes de charbon a chuté à travers chutes creusées dans la 4ème et 5ème étages de cet ancien moulin. Chaudières dans cette vaste salle surchauffée, baratté et comprimé eau dans un sifflement de la vapeur qui pulsé à travers des tuyaux et assises dans des bâtiments adjacents fournissant de la chaleur et de l'énergie. Racing progrès et en expansion rapide industrialisation, rendue possible par l'expansion cinétique relativement simple de l'eau en vapeur qui pourrait fournir de nombreux usages, a été le point de départ de mon installation immersive, spécifique au site, "ROIL." Mon installation étend à travers le industrielle opportunités salle proposant à l'habitent est des passages, des grottes, des recoins, des moyeux et faibles surplombs qui deviennent clair pour le spectateur adaptation aussi sombre a lieu ". 

Christine Sciulli est une artiste visuelle dont le principal médium est la projetion de lumière. Sciulli a été sélectionnée pour l'Académie américaine des Arts et des Lettres 2014 Invitational Exposition d'arts visuels. Ses installations ont été présentées dans le Parrish Art Museum, South Fork Musée d'Histoire Naturelle, Frederieke Taylor Gallery, Edward Hopper House Art Center, et le Musée Islip Art où Janet Goleas décrit son installation comme «une émeute calme de chaos contrôlé." Sciulli titulaire d'un diplôme d'ingénierie architecturale de l'Université Penn State, où il obtient un Besal Scholar, ainsi que BFA et MFA degrés dans Combined médias du Hunter College, où elle a reçu le Perry Award Esther poisson, BFA prix du mérite, et l'Leutz / Reidel Grant Voyage. Le travail de Sciulli fait partie de Rhizome ArtBase du New Museum (Rhizome.org). Elle est membre du Conseil Artiste de l'école de la rue Church de musique et d'art et a été professeur adjoint au programme Lighting MFA à la Parsons New School for Design. En plus de son spectacle au Smack Mellon, en 2016 Sciulli présentera le travail à la LABspace du Berkshire et représentera les Etats-Unis au 2016 Wadden Festival de marée au Danemark.

Adresse:

Smack Mellon 

92 rue Plymouth @ Washington 
Brooklyn, NY 11201

La galerie est ouverte mercredi - dimanche 12h00-18:00

Depuis toujours le génie créateur de certains artistes a découvert le moyen de créer au-delà des limites de leur temps, permettant à l'art de dépasser toute limite. Aujourd’hui, il est désormais possible d’apprécier l'œuvre de Salvador Dalí par une nouvelle approche, celle de la réalité virtuelle. Depuis le 23 janvier 2016, le Salvador Dalí Museum de St. Petersburg, en Floride, a introduit une expérience de VR qui transporte le public dans l’imaginaire du célèbre catalan à travers l’œuvre Réminiscence archéologique de Millet Angelus (1935). Cette expérience permet aux spect-acteurs de pénétrer à l’intérieur du travail de Dalí comme jamais auparavant, leurs permettant de se déplacer à l'intérieur d’une interprétation tridimensionnelle et à 360° du chef-d'œuvre de l'artiste.

L'idée de l'expérience VR a pris naissance il y a plus d'un an dans l'esprit des deux directeurs créatifs Sam Luchini et Roger Baran, de Goodby Silverstein & Partners. En expérimentant avec un Oculus Rift, le duo prend conscience que le casque pourrait avoir d'importantes implications dans le monde de l'art. Dès lors, ils prennent contact avec le Musée Dalí, qui rapidement saute sur l’idée d’une telle expérience. L'exposition qui en résulte est une exploration de l'imagination de Dalí et sa relation avec Walt Disney - celle qui a donné lieu à une partie du travail le plus spectaculaire dans les deux arts et des industries du film de l'époque.

Sam Luchini et Roger Baran ont dû choisir une pièce phare permettant sa réalisation à l’aide de la réalité virtuelle. Leur choix se porta sur l’œuvre ​​Réminiscence archéologique de Millet Angelus, datant de 1935 et qui fût inspirée par L’Angélus de Jean-François Millet. Si les deux directeurs artistiques ont pu prendre de légères libertés créatives par rapport à l'exposition, une grande partie des spect-acteurs à travers le monde, quant à eux, explorent cet univers surréaliste à l’image de Dali. En effet, l’artiste espagnole recréait de nombreux éléments dans d'autres travaux, ce qui a permis une précision des éléments de cette expérience en réalité virtuelle. La volonté est bien de proposé un monde à découvrir, où les spect-acteurs sont libres d’explorer et de vivre l’art de façon différente et active.

GLOBAL: Global Games

Su 11 août 2015 au 17avril 2016

Exposition Type de: Groupe spectacle

Situation: ZKM_Lichthof 1 + 2

Coût: d'entrée du musée

Description
Avec l'exposition, le ZKM réagit aux derniers développements dans le domaine des jeux informatiques, un milieu qui a été engendrée par l'infosphère. Les effets de la mondialisation et de références dans le monde réel sont reflétées notable dans les jeux informatiques. Jeux abordent tels que le conflit syrien, l'utilisation de drones dans les zones de guerre, les interrelations économiques mondiales du marché financier mondialisé, la situation des réfugiés aux frontières de l'Europe, les maux sociaux causés par le turbo-capitalisme, le complexe militaro-divertissement-industrielle, et plus encore.

Les jeux d'ordinateur sont en aucun cas un phénomène purement occidental, mais plutôt d'être considéré comme un moyen de communication mondial. Non seulement les utilisateurs peuvent jouer en réseau à l'échelle mondiale ensemble, mais aussi partout dans le monde sont produites jeux. Voici jeter un oeil à la riche culture de jeu d'ordinateur de l'Asie ainsi que les productions de jeux informatiques en provenance de pays comme l'Iran ou la Syrie.

«Global Games» est conçu pour être interactif: Le jeu peut être joué dans l'exposition. En outre, répondant à tous les soi-disant. "Jouons" -Vidéo présenté, est montré dans le comment le jeu fonctionne respectifs.