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OLAFUR ELIASSON. DANS LA VIE RÉELLE
14 février 2020 - 21 juin 2020

L'artiste danois-islandais Olafur Eliasson (né en 1967) place l'expérience du spectateur au cœur de son art. Olafur Eliasson : dans la vie réelle nous interpelle sur des questions d’une actualité brûlante à travers une trentaine d’œuvres réalisées entre 1990 et aujourd'hui : des sculptures, des photographies, des peintures et des installations qui jouent avec les reflets et les couleurs et remettent en question la façon dont nous percevons notre environnement et évoluons en son sein. En utilisant des matériaux tels que la mousse, l'eau, la glace des glaciers, le brouillard, la lumière ou les métaux réfléchissants, Eliasson encourage les visiteurs à réfléchir sur la compréhension et la perception du monde physique dans lequel ils sont immergés.

L'art d'Eliasson vient de son intérêt pour la perception, le mouvement, l'expérience physique et les sensations. Les clés de son art intègrent sa préoccupation pour la nature, inspirée par son séjour en Islande, ses recherches sur la géométrie et ses recherches constantes sur la façon dont nous percevons, nous ressentons et nous façonnons le monde qui nous entoure. Son atelier berlinois, le Studio Olafur Eliasson, est un espace de travail, mais aussi de rencontre et de dialogue, réunissant une équipe diversifiée d'artisans, d'architectes, d'archivistes, de chercheurs, de gestionnaires, de cuisiniers, de programmeurs, d'historiens de l'art et de techniciens spécialisés.

Le travail d'Eliasson va bien au-delà de l'œuvre d'art, de l'exposition et de l'intervention publique et inclut des projets architecturaux. Convaincu que l'art peut avoir un impact puissant sur le monde au-delà du musée, Eliasson a créé des lampes solaires pour les communautés sans électricité, a conçu des ateliers d'art pour les réfugiés et les demandeurs d'asile, et il a aussi imaginé des installations artistiques pour sensibiliser le public à l'urgence climatique, ayant d’ailleurs été nommé Ambassadeur de bonne volonté du Programme des Nations Unies pour le développement en octobre 2019. Selon Olafur Eliasson, " l'art n'est pas l'objet, mais correspond plutôt à ce que l'objet fait au monde ".

Exposition organisée par la Tate Modern en collaboration avec le Musée Guggenheim Bilbao.

Commissaires: Mark Godfrey et Lucía Agirre

Lieu:
Guggenheim Bilbao Musée
Avenida Abandoibarra, 2
48009 Bilbao

Le «champ d’expérimentation des sens» permet d’aller à sa propre rencontre. 80 stations nous invitent à expérimenter et observer le monde qui nous entoure. Sons, couleurs, vibrations, parfums lumière et obscurité suscitent l’étonnement et permettent l’exploration des lois de la nature.

Tout comme nos 50'000 visiteurs annuels, venez découvrir le Sensorium !

Exposition "Touché !"
Du 1er février au 31 décembre 2020

« Ne pas toucher ». Voici une absurdité du monde moderne. Si l’on considère la curiosité comme le point de départ d’une saine découverte de notre environnement, alors il faut toucher ! Toucher pour connaître le monde, toucher pour tisser des liens, toucher pour se rassurer. Ressentir sur mes mains l’eau froide d’un ruisseau, le vent sur mon visage, être réconforté par la caresse d’un être cher... Le toucher est aussi présent à chaque instant de notre vie qu’il est discret. Venez expérimenter nos nouvelles stations interactives pour découvrir ce sens captivant sous toutes ses formes. Touchez, vous serez surpris, étonnés, émus… ou touchés !

Outre ces expériences interactives, la thématique est explorée par dix artistes invités dans le cadre d'une exposition artistique collective. Ce projet exclusif se compose de peintures, de broderies, de collages, de sculptures et de photographies : des médiums aussi variés que le sujet lui-même.

Horaires du 1er avril au 31 octobre
Mardi à vendredi de 9h00 à 17h30
Samedi et dimanche de 10h00 à 17h30
Fermé les lundis (exeption faite de Pâques et Pentecôte), sur réservation ouverture possible aux groupes

Horaires du 1er novembre au 31 mars
Ouvert du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h30
Fermé les lundis et mardis, sur réservation ouverture possible aux groupes.

expocollective#17 supernature
PARCOURS D’ŒUVRES INTERACTIVES D'ARTISTES INTERNATIONAUX
24 MARS > 07 JUIN
entrée libre visites guidées

Edit : Vous n’êtes peut-être pas sans savoir que la nuitnumérique#17 est annulée : avec expocollective#17, vous aurez la chance de pouvoir profiter d’une bonne partie de ce qui était prévu.
8 œuvres interactives d’art numérique vous attendent : vous y serez immergés, encouragés à interagir pour des expériences hors du commun.

Parfaites entre ami.e.s et avec des enfants, les visites sont libres, mais vous pouvez aussi profiter de visites guidées gratuites, sur-mesure, en individuel ou en groupes constitués.

Pour cette 17ème édition de l’expocollective, place à la nature !
Une question éthique est soulevée : comment utiliser les outils technologiques dans le respect de notre environnement ?
Comment permettre au plus grand nombre de se responsabiliser par rapport à l’impact des technologies sur notre environnement ?
On parle parfois de technologie verte.
Quelle est la place du numérique dans la nature ? Et inversement, quelle est la place de la nature dans le numérique ?
Comment les faire se rejoindre dans une démarche environnementale positive ?
Le numérique est-il à l’opposé de la nature ?
Doit-on bannir le numérique pour laisser la nature s’épanouir ?

Plusieurs artistes se sont penchés sur le sujet et nous apportent quelques pistes de réflexions que nous souhaitons cette saison vous faire découvrir, disséquer, expérimenter et apprécier.

Parcours d’exposition 2020
« Cosmogonie »

Orbitant autour de la thématique spatiale, cette huitième édition du Mirage Festival se penche sur la façon dont les artistes abordent différentes approches de notre relation au cosmos et sonde la manière dont la conquête spatiale, depuis ses débuts, a influencé et transcendé les idées et les créations. L’espace, le cosmos, la galaxie, les technologies liées à son exploration, son esthétique, ses horizons philosophiques et les imaginaires qui les habitent sont autant de sujets abordés par les artistes de façon poétique, fictionnelle, historique ou critique.

Une édition hautement prospective, explorant les nouvelles voies techniques, philosophiques et artistiques ouvertes par l’espace et ses mystères.

Et pour un voyage réussi, on ne pouvait que demander à nos amis Cécile + Roger de reprendre les commandes de notre nouvelle identité visuelle !

Du 11 au 15 mars 2020, Les Subsistances – Lyon

Soleil Noir – Barthélemy Antoine-Loeff (FR)

Nil – Nadya Suvorova (CH)

Météores – François Quévillon (CA)

Messenger – Flavien Théry (FR)

Jean-Pierre contemplant le trou noir – Flavien Théry (FR)

Sound reveries of trips we won’t go on (Western Arabia Terra) – Flavien Théry (FR)

Noise Signal Silence – Quadrature (DE)

Hydrogeny – Evelina Domnitch, Dmitry Gelfand (NL)

Orbihedron – Evelina Domnitch, Dmitry Gelfand (NL)

Displuvium – fragmentin (CH)

Sphère – Gregor Göttfert (AT) – Florian Kofler (IT)

Modus Tollens – K. Ardito, A. Barthélémy, O. Demurger, A. Desaubliaux, V. Godard, L. Gouhier, D-O. Lartigaud, B. Serra, G Seyller (FR)

Assemblage #23 Perturbations temporelles

Vernissage samedi 7 mars 2020 à partir de 17h
Julio Artist-run Space – 13 rue Juillet, 75020 Paris

Julio a le plaisir de vous inviter au vernissage de l’exposition  Assemblage #23  le 07.03.2020 avec la participation de Hugues Decointet (France), Elodie Seguin (France) et Cecilia Szalkowicz (Argentine).

Exposition du 07.03.20 au 04.04.20
Vendredi et samedi de 17h à 19h et sur RDV

Artistes:

Hugues Decointet: Né en 1961 à Bienville, France. Vit et travaille à Paris.

Il est un artiste plasticien autodidacte, agronome de formation. Sous la forme de maquettes, de tableaux, de films ou d’installations sonores, il définit ses travaux comme des suites : des prolongements d’œuvres préexistantes, souvent inachevées, principalement littéraires, théâtrales ou cinématographiques. Il s’intéresse à la mutation des formes plastiques, à la surimpression des récits et au déploiement du langage qu’offrent une adaptation, une interprétation ou encore la restauration d’une œuvre.

Ses travaux ont été soutenus par des institutions comme le CNAP Image/mouvement ou le CNC-DICRéAM. Ils ont été présentés dans des musées et centres d’art comme le M-Museum de Leuven (Belgique), le Parc Saint-Léger ou la Ferme du Buisson en France, Plataforma Revolver à Lisbonne ou l’Institut Français de Londres, ainsi que dans des galeries comme José Martinez à Lyon, et à Paris, Made in Town et Air de Paris …

Hugues Decointet s’occupe par ailleurs de la succession de l’œuvre de son oncle, l’artiste Guy de Cointet (Paris, 1934-Los Angeles, 1983). En 2017, il publie avec François Piron chez Paraguay le livre Guy de Cointet Théâtre Complet. Depuis 2018, il est commissaire, avec Marie de Brugerolle puis Emilie Renard, des performances The Bridegroom Suites, libres adaptations par de jeunes artistes d’une pièce inachevée de Guy de Cointet.

Elodie Seguin: Née en 1984 à Paris. Vit et travaille à Avignon.

Après des études à la Villa Arson à Nice , Elodie Seguin obtient une bourse d’échange à la Luxun Academy, à Shenyang, puis intègre l’Atelier Piffaretti / Figarella / Fanchon aux Beaux-Arts de Paris .
Entre 2010 et 2013 elle a été artiste résidente de MACRO, à Rome, et à la Cité Internationale des Arts, Paris. Ella a été finaliste du prix Jean-Claude Reynal et a obtenu le Prix de fondation Installation / Sculpture.

Ses dernières présentations en solo show sont Peinture sculpture Peinture , Galerie Jocelyn Wolff, Paris, 2017 ; Sliced paintings, everything is in everything, Daniel Marzona Gallery, Berlin , 2016 ; Grève, Galerie Jocelyn Wolff , Paris, 2015 ; et Frame, Frieze, London avec Galerie Hilary Crisp en 2013. Elle a participé à nombreuses expositions de groupe, entre elles Sculpter (faire à l’atelier), FRAC Bretagne, Rennes, 2018 ; Fertile lands, Fondation Ricard, curateur Alexandra Fau, Paris, 2016 ; Venir voir venir, Lafayette Anticipation, Paris, 2014.

Elodie Seguin explore depuis ses débuts les manières d’appréhender la peinture, nourrie de réflexions sur la représentation. Elle produit peu de pièces et travaille sous la forme d’une recherche permanente et le moment de l’exposition vient arrêter ou «figer » la recherche pour la formaliser.

Cecilia Szalkowicz: Née en 1972 à Buenos Aires, Argentine. Vit et travaille à Buenos Aires.

Elle étudie la photographie avec Alberto Goldenstein; elle est diplômée en tant que designer graphique à l’Université de Buenos Aires (UBA); elle participe à la Beca Kuitca 2003-2005; elle a enseigné au Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Elle intègre le collectif Suscripción (1999–2005). Participe au CIFO Grants Program, CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation (2007); à la 2da. Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe (2009); et à la 12º Bienal de Cuenca (2014). Elle mène le projet Reunión (Buenos Aires – Berlin, 2010) avec Gastón Pérsico, Roman Schramm y Hella Gerlach,  avec le soutien de l’IFA – Institut für Auslandsbeziehungen. Depuis 2006 elle édite Script, avec Gastón Pérsico y Mariano Mayer, une publication gratuite distribuée à Madrid et Buenos Aires. Elle a fait de nombreuses expositions en Argentine et à l’étranger. En 2019, elle a reçu le Prix Braque de l’Institut Français, suite auquel elle est actuellement en résidence à la Cité Internationale des Arts, Paris.

Les films et les expériences en réalité virtuelle placent le spectateur au centre de l’espace. Comment appréhender la création sonore de ces espaces à 360°? Quel est le rôle du sound designer et quels sont les étapes de création? Lors de cette intervention, Thomas Rouvillain, fondateur du studio Next Sound Lab, partage son expérience.

Les technologies audio utilisées en réalité virtuelle peuvent être également servir à la création d’expériences audio dans des lieux réels. Sont présentés les axes de développement choisis par le projet Listen & See*, à destination des lieux culturels.

Thomas Rouvillain est ingénieur du son et fondateur de Next Sound Lab, un studio qui crée du son spatialisé pour les contenus immersifs: films en réalité virtuelle, installations.

Après un master Image et Son à l’Université de Bretagne Occidentale, il est mixeur pour la télévision et le cinéma pendant depuis plus de 15 ans. Il exerce notamment au sein de la filière production de France Télévisions et pour le Fresnoy, Studio National d’Art Contemporain (Tourcoing). C’est sa rencontre avec Aspic Technologies, et le travail de spatialisation du film Altération (vidéo à 360° produit par Okio et diffusé par Arte360), qui sont le point de départ de sa spécialisation: le son immersif au service de la narration.

Il développe actuellement le projet Listen & See, un projet de narration sonore immersive à destination des lieux culturels.

Informations
03.03.2020 | 11:30
Gratuit
Arts² (auditorium)
4a rue des Soeurs Noires – Mons
artsaucarre.be – transnumeriques.be

Dans le cadre de « Mutations/Créations », l’exposition dédiée à Jeremy Shaw présente un projet immersif inédit, flirtant avec la science-fiction et les cultures alternatives. L’entreprise de Shaw se situe à la conjonction de plusieurs questionnements contemporains qui agitent tout autant la philosophie, l’anthropologie et la sociologie, les sciences, notamment les sciences cognitives et les neurosciences, et enfin, les dernières avancées technologiques comme les bionanotechnologies. Son œuvre s’affirme comme une tentative plastique et sonore pour rendre compte de ces multiples développements de la recherche, tout en les propulsant dans un champ fictionnel, flirtant avec la science-fiction et les cultures alternatives.

Avec « Mutations/Créations », le Centre Pompidou se transforme en laboratoire de la création et de l’innovation à la frontière des arts, de la science, et de l’ingénierie. Chaque année, le programme réunit des artistes, des ingénieurs, des scientifiques et des entrepreneurs. En 2020, « Mutations/Créations » poursuit sa recherche prospective au travers de deux expositions, « Neurones, les intelligences simulées » et « Jeremy Shaw », après trois éditions successivement consacrées à l’impression 3D (« Imprimer le monde » et « Ross Lovegrove » en 2017), aux langages informatiques (« Coder le monde » et « Ryoji Ikeda » en 2018) et à la création mêlant artificiel et vivant (« La Fabrique du vivant » et « Erika Verzutti » en 2019).

26 févr. 2020 - 20 avr. 2020 de 11h à 21h
Galerie 3 - Centre Pompidou, Paris

Et si Angers prenait des airs futuristes à la tombée de la nuit ? 
Plongez au cœur des lumières de la ville.
Redécouvrez Angers, avec le regard « cyberpunk » du jeune photographe angevin Aishy.

ANGERS, LES NUANCES DE LA NUIT - L'EXPO CYBERPUNK
du 3 mars au 4 avril 2020,
Vernissage le vendredi 6 mars 2020, à 18h30,
à la Médiathèque Toussaint - 49 rue Toussaint à Angers

EXPOSITIONS
NEURONES
Les intelligences simulées
26 févr. 2020 - 20 avr. 2020 de 11h à 21h
Galerie 4 - Centre Pompidou, Paris

Alors que l’intelligence artificielle semble avoir envahi tous les domaines industriels du monde contemporain, de la finance au domaine médical, des jeux aux objets à comportement, de l’architecture au militaire, cette situation n’a jamais été véritablement mise en relation avec l’histoire des neurosciences et de la neuro-computation. L’exposition « Neurones, les intelligences simulées » souligne la continuité des recherches d’artistes, d’architectes, de designers et de musiciens avec celle développées par les grands laboratoires scientifiques ou ceux du monde industriel. Dans le cadre de « Mutations/Créations ».

Avec « Mutations/Créations », le Centre Pompidou se transforme en laboratoire de la création et de l’innovation à la frontière des arts, de la science, et de l’ingénierie. Chaque année, le programme réunit des artistes, des ingénieurs, des scientifiques et des entrepreneurs. En 2020, « Mutations/Créations » poursuit sa recherche prospective au travers de deux expositions, « Neurones, les intelligences simulées » et « Jeremy Shaw », après trois éditions successivement consacrées à l’impression 3D (« Imprimer le monde » et « Ross Lovegrove » en 2017), aux langages informatiques (« Coder le monde » et « Ryoji Ikeda » en 2018) et à la création mêlant artificiel et vivant (« La Fabrique du vivant » et « Erika Verzutti » en 2019).

Signaux, le son et la data est une exposition qui explore différents rapports entre espace et son à travers les installations de Gaëtan Gromer. En utilisant l’étonnant pouvoir de suggestion et d’immersion du sonore, l'artiste interroge la fabrication de l’information et livre un regard sur le monde, un point d’ouïe particulier pour “dire” avec le son.

Du mercredi 26 février au dimanche 26 avril 2020
Vernissage le mercredi 26 février à 18h30 - Entrée libre

Tout public dès 9 ans
Entrée libre

Horaires d'ouverture :
Mercredi - Samedi : 10h -19h
Vendredi : 16h - 19h
Dimanche : 10h - 13h

Halles du Scilt
15b rue Principale
67300 Schiltigheim