Corps en Immersion

Après un retour plus qu’espéré à Paris en 2013 avec près de 15 000 visiteurs, le Mondial du Tatouage a investi en 2014 et 2015 la Grande Halle de la Villette, en battant les deux années des records d’affluence. Cette convention déjà mythique est donc devenue l’une des plus prestigieuses du monde, avec environ 32 000 visiteurs venus de France et des quatre coins de la planète en 2015.
La prochaine édition, qui se tiendra les 4, 5, et 6 mars 2016, prévoit de nous réserver des surprises et beaucoup de nouveautés. En investissant cette année encore la totalité de la Grande Halle de la Villette et un plus grand espace extérieur, nous augmentons notre capacité d’accueil afin d’améliorer le confort de tous. Ainsi, les amateurs comme les professionnels pourront se faire tatouer sur place, observer à l’œuvre les meilleurs artistes tatoueurs mondiaux, et profiter des nombreuses animations proposés : des expos, des concerts, des Dj sets, des séminaires, ou encore du matériel pour les pros.
Le Mondial du Tatouage fait également appel à une sélection des meilleurs food trucks de la capitale pour offrir aux visiteurs un plus grand choix de restauration sur place.

À l’occasion du lancement de la sortie du projet LP Weapon, venez écouter en live diverses ambiances qui interrogent le thème des armes sonores, et découvrez l’édition vinyle en exclusivité.

Le jeudi 03 mars 16
20h30 - Réservation en ligne (lien ci-dessous)
Tarif : Gratuit

SOIRÉE LIVE AVEC :

Laurent Di Biase et Benjamin Pagier

Éric Pajot (Humans by Billions)

Régine Cirotteau et Geoffrey Meyrine

Michel Guillet

Emmanuelle Gibello

Valéry Poulet

Hanan Benammar et Per Platou

LP Weapon est porté par Nicolas Gimbert, artiste plasticien, en collaboration avec l’équipe de l’association Freevol qui aide la création et la diffusion de projets artistiques dans le champ de l’art contemporain et de la musique électronique.

Le projet LP Weapon prend pour thématique « les armes sonores, fantasmes et réalités ». Il se base entre autre sur les recherches de l’anglais Steve Goodman (KODE9) (Sonic Warfare: Sound, Affect, and the Ecology of Fear Technologies of Lived Abstraction Series, MIT Press, 2012) et de la française Juliette Vocler (Le son comme arme. Les usages policiers et militaires du son, éditions La Découverte, 2011).

Le projet LP Weapon est un appel à projet collectif réunissant artistes plasticiens et sonores, ainsi que des théoriciens appelant à un regard critique sur "ces armes" utilisées du Moyen-Âge à nos jours. Diviser, faire régner la terreur sur une population, les armes sonores furent de tout temps utilisées, de Guantánamo aux Mosquito Devices (permettent d’empêcher les réunions de jeunes dans les halls d‘immeubles à Londres par la diffusion de sons stridents perçus uniquement par les moins de 35 ans).

Les artistes s’emparent de ce thème pour proposer une lecture fictionnelle permettant de repoétiser un sujet de prime abord dramatique. Dans un contexte géopolitique et artistique contemporain compliqué et troublé, les théoriciens livrent une expertise éclairante à travers un regard personnel et critique, mettant le sujet en perspective. Au final, dix artistes ont créé dix visuels, dix théoriciens ont écrit dix textes, et une vingtaine de pistes sonores ont été composées.

Avec les œuvres sonores de : Hanan Benammar & Per Platou, Davide Bertocchi, Laurent Di Biase et Benjamin Pagier, Julia Drouhin, Emmanuelle Gibello, Jérôme Grivel, Michel Guillet, Humans by Billions, Cetuss, Rainier Lericolais, Mujuice (Roman Litvinov), Julien Perez, Valéry Poulet, Cédric Pigot & Magali Daniaux, Mathieu Schmitt,  Michael Sellam, Dominique Sirois, Thierry Théolier, Geoffrey Veyrines, Frank Vigroux.

Avec les œuvres visuelles de : Marie Aerts, Régine Cirotteau, Alain Declercq & Pascal Lièvre, Richard Fauguet, Rohan Graeffly, David Guez, Nicolas Muller, Charles Pennequin, Tom de Pékin, Jean Luc Verna. 

Avec les textes de : Manuela de Barros, Pierre Boeswillwald, Philippe Boisnard, Julie Crenn, Michel Gaillot, Catherine Guesde, Jean-Claude Moineau, Stephen Sarazin, Vincent Simon, Florian Gaité et Jérémie Nicolas.

Partenaires du projet : Le Cube, Freevol, Supernova Editions, Plateforme, WebSYNradio, Les Esserres.

Festival: Kaléidoscope

Mardi 1 Mars 2016 à 19h

Après une première tournée nord-américaine en 2015, le pionnier des festivals consacrés aux contenus en réalité virtuelle entame une tournée internationale de 10 dates en mars et avril 2016. Kaleidoscope se pose à Paris (Gaîté Lyrique) le 1er mars, avant de relier Tel Aviv, Londres, Stockholm, Cologne, Berlin, Amsterdam, Pangyo, Tokyo et Melbourne.
Cet évènement produit en collaboration avec WIRED et Wevr Transport, le Kaléidoscope World Tour s'arrête à la Gaîté lyrique le temps d'une soirée avec ce qui se fait de mieux en réalité virtuelle et expériences immersives.

L'esprit d'indépendance

Kaléidoscope produit des projets d'artistes indépendants qui explorent la VR, tout en montrant le processus d'élaboration. La sélection d'expériences immersives propose un point de vue sur ce qui distingue la réalité virtuelle d'autres médiums d'expression, et donne une visibilité supplémentaires aux créateurs.

Kaléidoscope : le rendez-vous de référence de la réalité virtuelle. 

La VR n'est pas simplement un film ou un jeu vidéo visionné dans un casque, c'est un nouveau média audiovisuel avec son propre langage et son propre format d'expression. Kaléidoscope s'arrête dans 10 villes de 9 pays en 43 jours pour partager ce contenu développé par des artistes indépendants. Amateurs ou curieux sont tous invités à découvrir ces nouvelles expériences.

Le programme

30 expériences uniques et innovantes, dont une première internationale d'un des maîtres de l'animation en stop-motion, la première internationale d'une fête psychédélique, et des narrations incomparables aux possibilités offertes par d'autres médiums.
En savoir plus sur les projets présentés.

Samsung a mis le paquet lors de leur événement présentant le Samsung Galaxy S7, en proposant à tout le monde, audience incluse, d'utiliser un Gear VR afin de découvrir le produit. Mais ce n'est pas tout, car elle a aussi annoncé que les premiers possesseurs du Galaxy S7 obtiendront un Gear VR gratuitement !

En effet, Samsung offre un Gear VR ainsi que 6 jeux pour chaque Samsung Galaxy S7 pré-commandé sur le Samsung Shop entre le 22 février au 10 mars 2016, dans une limite de 300 000 commandes. Petite déception toutefois, car le S7 possède la même résolution d'écran que le Galaxy S6, et donc ne proposera pas une expérience VR radicalement différente.

Cependant, il possède tout de même une batterie plus importante (3000 mAh pour le S7, 3600 mAh pour le S7 Edge), pourra utiliser des cartes micro SD et embarquera chez nous un processeur Exynos 8890 ainsi qu'un GPU Mali-T880 MP12, qui sont bien plus puissants que les anciennes versions. De plus, il sera mieux refroidi, ce qui lui permettrait théoriquement d'être plus stable d'un point de vue performance et de beaucoup moins chauffer. Il utilisera aussi Vulkan, le successeur d'OpenGL qui apporterait un boost de performance non négligeable et une meilleure gestion des ressources.

Le Samsung Galaxy S7 est d'ores et déjà disponible à la pré-commande pour 699 euros. La version Edge quant à elle, est proposée à 799 euros.

De la littérature, de la BD, des jeux, du fantastique, de l'imaginaire, du jeu de rôle grandeur nature, des artefacts, des costumes, de l'art, de la mode, de la fête !

GLOBAL: New Sensorium - Sortie de l'échec de la modernisation

Début 05 mars 2016 au 04 septembre /2016

Type d'exposition: exposition thématique

Situation: ZKM_Lichthof 1 + 2

Coût: d'entrée du musée

Description
L'exposition «New Sensorium - Sortie échecs de modernisation» des spectacles - à partir de la définition classique de «l'Asie», comme continent eurasien, moins d'Europe - travaille principalement de la non-occidentale, les artistes asiatiques. Il se concentre sur de nouveaux domaines d'expérience sensorielle comme preuve de cette nouvelle conscience qui découle de la mondialisation et les technologies numériques. Cependant, le sensorielle ne signifie pas seulement des sensations, mais inclut également les processus cognitifs associés à réévaluer nos conditions de vie changeantes. En ce sens, le nouveau sensorium comme une collection de ressources est entendu, l'aide que nous pouvons engager activement avec le transitoire découlant de notre relation étroite virtuelle et notre vie réelle.

Tout comme le terme «Asie» se distingue non seulement pour une seule culture ou l'origine ethnique, mais plutôt des traditions non-européennes en Eurasie, est "New Sensorium" marqué par un logo qui se distingue nettement du modèle européen: Une traitant artistique intuitive des phénomènes et une pensée de fusion globale et l'action peut être une division en sujet et objet devenu obsolète et ainsi contrecarrer le dualisme anthropocentrique qui a dominé la compréhension occidentale du monde de manière durable, mais - comme Bruno Latour et autres l'ont souligné - a donné naissance à aucune idéologie de travail réel ,

Compte tenu de notre désormais redécouvrir environnement informationnel et les progrès en ce qui concerne les technologies pour la production et la distribution de données numériques, il est grand temps de remettre en question la relation entre la matière, l'information Ellen et notre propre corporéité.

Beaucoup d'artistes qui sont parmi les «natifs numériques» ont passé leur vie dans la situation instable, mais dynamique, dans le contexte de bouleversements idéologiques des trente dernières années, qui a conduit à la capitalisation et de l'urbanisation de l'Asie, la mémoire culturelle prémoderne ou traditionnelle à nouveau se connecter avec le contemporain ou la nécessité de le résoudre par lui. Ils utilisent les médias numériques comme un outil pour créer de nouveaux environnements et de là, à préserver leur santé mentale. En l'espace numérique, ils peuvent opérer librement et de développer les techniques de survie si les crises politiques, sociales et communautaires dans leur environnement réel. Dans des procédés tels, des sentiments, des sensations et des perceptions sont nés qui ont le potentiel de développer une force productive, critique et poétique qui se pose rarement dans la salle réelle.

"New Sensorium" montre des œuvres d'environ 15 artistes qui peuvent deviner la voie à suivre dans l'avenir et d'explorer des moyens de sortir de la confusion sombre de la modernité dualiste. L'exposition est une étape dans un nouvel écosystème des médias et du matériel, qui est orientée vers un avenir différent, et d'autres corps - et donc un retour à l'organisme. (Yuko Hasegawa)

Collaborateurs et artistes
Yuko Hasegawa (conservateur)Saâdane AfifTarek AtouiRohini DevasherValia FetisovTara KeltonNil KoettingMirai MoriyamaMagdi MostafaKohei NawaBruce QuekRaqs Media CollectiveRhizomatiksSptuniko!Shiro Takatani / Dumb TypeLin Ke

RÉSUMÉ

Cette journée d’étude voudrait se centrer autour des métamorphoses du corps et de ses  transformations au sein des textes littéraires et des œuvres artistiques.

ANNONCE

Journée d’études, 31 mars 2016

Université de Franche-Comté, UFR SLHS, Grand Salon

Argumentaire
Cette journée d’étude voudrait se centrer autour des métamorphoses du corps et de ses transformations au sein des textes littéraires et des œuvres artistiques. Nœud d’énonciation et source de changements continus (J. Fontanille 2004, I. Darrault- Harris 2007), substrat principal de perception (Thomson-Varela, 2001) et de construction du monde (Merleau-Ponty, 1945), le corps a toujours fasciné ces deux domaines qui l’ont rendu sujet ou objet d’expressions esthétiques. A l’image d’une Virginia Woolf qui dans Une chambre à soi prône le féminin-masculin ou le masculin-féminin en écriture, la traversée des genres tant esthétiques que sexués en art comme en littérature, permet de poser le corps en mutation comme moteur privilégie de la création, suscitant/exigeant de nouveaux modes d’expression et se donnant à voir, lire et entendre de multiples manières. Du moment que le corps a toujours été appréhendé dans sa performativité par ses mises-en-scène comme par ses mises-en-texte, nous allons étudier l’expression de ces mutations qui peuvent prendre la forme de simples modifications à la limite de l’imperceptible ou de changements beaucoup plus radicaux, allant jusqu’à la crise des codes mêmes de la représentation.

Historiquement la question du corps de l’artiste, de sa monstration en art, tout à la fois comme support et œuvre a été investie dès le début du XXe siècle, l’aventure a été mise en voix par les Futuristes & Dada - et bien d’autres ensuite qui, tous, brouilleront les voies en explorant tout autant le genre, l’attitude, la langue, l’identité …débordant les limites des corps, de l’art, en des points de fusion entre les arts plastiques, la danse, le son, la poésie… s’approvisionnant dans le réservoir infini du geste quotidien et des usages de l’habitude. Approcher les métamorphoses à l’œuvre au sein de cet espace corps-art-littérature, c'est affronter certainement des questions cachées, dissimulées dans l’incarné qui fonde, comme l’écrit J. Kristeva, « la signification et la communication (...)   loin d’être une idéalité pure ».  

Avatar des dernières mutations culturelles et sociétales, le corps en métamorphose (le cyborg, l’hybride, le cisgenre) nous offre de nouvelles images de la contemporanéité (Arnaud 2012, Espineira 2014 et 2015). De nouvelles différences et ambiguïtés surgissent tant dans la variété des arts que dans les genres littéraires de plus en plus poreux et hybrides. Aussi l’indicibilité du corps et de ses mises en scène engendre-t-elle de nouveaux modes de représentation ou invite à un re-investissement  des formes plus anciennes qui y retrouvent ainsi un nouvel élan.

Les différentes conceptualisations avancées dans de multiples champs du savoir seront nos outils d'analyse, des arts visuels (image fixe et mobile, performance) jusqu’aux gender studies, en passant par les études culturelles et la littérature. L’articulation entre corps physique et identité sexuée, entre genre(s) esthétique(s) et genre(s) sexuel(s), peut se passer des mots ou bien entrer en dialogue avec eux, pour s’exprimer. 

Modalités de soumission
Les propositions de communication (300 mots) et une courte bio-bibliographie sont à envoyer avant le 21 février 2016, à ces adresses électroniques :

margaret.gillespie@univ-fcomte.fr  et nanta.novello-paglianti@u-bourgogne.fr

Comité scientifique
(et contact)

Margaret Gillespie, MCF,  CRIT, Université de Franche - Comté
Nanta Novello Paglianti, MCF,  CIMEOS, Université de Bourgogne
Michel Collet, ProFessuer, INstitut Supérieur des Beaux Arts, Franche- Comté
 

Rimbaud, Le dernier homme est une fiction multimédia interactive, créée par Fran Lejeune et Jean-Michel Rolland, publiée par Le Gaulois Nomade. Spécialement conçue pour les smartphones et tablettes sous androïd, elle projette la vie d’Arthur Rimbaud dans un univers futuriste. Arth, hacker et poète de 17 ans, part conquérir la capitale alors qu’une guerre mondiale explose. Sa révolte le met en mouvement, emportant dans sa tourmente un autre grand esprit de son temps, Saul Verlaine. 
Outre de multiples œuvres génératives rendant hommage au poète, l'appli propose une articulation non hiérarchisée entre texte et animations. A la croisée de différentes pratiques, le lecteur alterne entre immersion fictionnelle et moments ludiques, contemplation et interaction. 

Les 18, 23 au 26 février et du 1er au 4 mars 2016,

A 19h,
A la Satosphère, 1201, boul. St-Laurent, Montréal.

Muni d'un piano droit ancré sur le roc du Bouclier canadien, aux limites de la taïga, Roman Zavada a repoussé ses limites créatives en s'inspirant de l'un des phénomènesles plus grandioses et majestueux de notre planète: les aurores boréales. Un spectacle immersif haut en couleur dans lequel Zavada propose un dialogue entre les résonnances du piano et les aurores boréales filmées en temps réel et en 360 degrés.

Plongez en plein coeur de la forêt boréale, sous les aurores, pour une expérience inégalée et unique au monde!

L'exposition: Matérialité de l'invisible - L'archéologie des sens.
Du 13 février au 30 avril 2016.
Vernissage public samedi 13 février de 14h à 19h

dans le cadre du programme européen NEARCH, en collaboration avec l’Inrap

L'art et l'archéologie ont en commun de rendre visible ce qui ne l'était pas, ou plus. Dans le cadre du projet européen NEARCH* qui, depuis 2013, vise notamment à développer les liens entre archéologie et art contemporain, le CENTQUATRE-PARIS, en collaboration avec l’Inrap (Institut national de recherches archéologiques préventives), présente Matérialité de l'invisible, l’archéologie des sens.

L'exposition réunit des artistes aux univers différents qui ont à cœur de transmettre dans leurs œuvres  (sculptures, vidéos, installations..) ces alchimies et ces histoires qui nous échappent et qui pourtant constituent en partie nos existences. Les sculptures, vidéos et installations exposées sont issues de résidences auprès d’archéologues ou de recherches personnelles des artistes. Nourris par la rencontre avec ces spécialistes, Julie Ramage questionne la mémoire individuelle et collective, Ali Cherri interroge le sens du patrimoine, Nathalie Joffre filme et mime l’archéologie tandis que Miranda Creswell s’attache à rendre visible l’évolution de paysages à travers le dessin.

Déchiffrer, comprendre, interpréter : telle est la démarche commune des artistes présentés. En s'appuyant sur le dialogue entre art et science, ils proposent une nouvelle manière de regarder autour de soi. Car si elles sont inspirées de faits passés ou de matières, les œuvres n'en font pas le récit historique, pas plus qu'elles ne restituent un savoir à l'état brut.

     
Au contraire, elles cherchent à suivre leur persistance et leurs transformations dans les mémoires individuelles et collectives. A travers elles, les artistes dressent une cartographie sensible, mouvante et non exhaustive du rapport de l’Homme à son environnement et à son histoire.
La relation de l'Homme à la nature est une notion fondamentale dans l'exposition. Elle est présente notamment dans l'installation d'Hicham Berrada, Mesk-ellil, qui inverse le rythme circadien d’une plante à floraison nocturne et nous fait sentir son parfum en journée. L'artiste vient modifier la nature pour nous la révéler de manière encore plus forte. De même, Johann Le Guillerm nous permet de ressentir dans ses sculptures mobiles les mouvements souvent imperceptibles des forces naturelles. D'autres se servent de la matière pour nous parler de la marche du monde. Le duo Agapanthe s'intéresse ainsi de longue date au sucre, aliment au passé chargé symboliquement et politiquement. Ses installations le détournent en une allégorie d'une civilisation qui se condamne à disparaître en surconsommant ce produit à la fois doux et extrêmement nocif.

Fouiller les mémoires ou les sols peut mener à bien des découvertes, y compris celles auxquelles on ne s'attend pas. Les artistes, comme les archéologues, ont coutume de chercher et creuser sans savoir exactement ce qu'ils vont trouver. Et aucune trouvaille n'est définitive, chacune menant à composer et recomposer des histoires et l’Histoire.

Matérialité de l’Invisible réunit les oeuvres d’une dizaine d’artistes qui dressent une cartographie personnelle, mouvante et non exhaustive du rapport de l’homme à son environnement, à son histoire, en particulier à travers une rencontre provoquée entre art et archéologie.

Une exposition collective avec : Agapanthe (Konné et Mulliez), Hicham Berrada, Ali Cherri, Miranda Creswell, Johann Le Guillerm, Nathalie Joffre, Anish Kapoor, Julie Ramage, Ronny Trocker...

direction artistique : José-Manuel Gonçalvès

horaires : les mercredis, jeudis, samedis et dimanches de 14h à 19h

pendant les vacances scolaires : du mardi au dimanche de 14h à 19h