Corps en Immersion

Résidence d’écriture VR
Le VR Arles Festival et l’Institut français s’associent pour la 3e année consécutive pour proposer une résidence d’écriture dédiée aux narrations immersives, du 23 au 28 août 2020, à Arles.

Cette résidence vise à accompagner créateurs et créatrices dans le développement d’un projet d’écriture innovant pour la réalité virtuelle. Elle a également pour objectif d’approfondir les connaissances des lauréats sur le potentiel créatif et narratif des technologies immersives. Elle vise enfin à donner les clés de l’écriture d’un projet de réalité virtuelle et à faciliter la convergence de différentes formes artistiques.

Durant une semaine, les participeront bénéficieront en matinée de masterclass avec des professionnels des réalités immersives, des arts visuels, du son, du spectacle vivant et de l’image. Les après-midis permettront un accompagnement individuel et des temps d’échanges.

Tout dossier incomplet ne sera pas pris en compte. Vous avez jusqu’au 29 Mai 2020 pour déposer votre candidature.

Résidents 2019

Marion Burger & Ilan Cohen, Empereur

Alice Lepetit, Bleue

Nadia Micault, Zen ou presque

Alexandre Perez, EGO

Jeanne Susplugas, I Will Sleep When I’m Dead

Matthieu Van Eeckhout, The Crow of Whitechapel

> Intervenants 2019

Charles Ayats

Karim Ben Khelifa

Jérôme Blanquet

Margherita Bergamo, Compagnie Voix

Florent Dumas, Novelab

Landia Egal, Tiny Planets

Maxime Fleuriot, Biennale de la danse

Daniel Gonzalez, Omnipresenz

Lidwine Hô, France télévision

Mathieu Muller, Unity

Artiste plasticien diplômé du Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains, Fabien Zocco explore le potentiel plastique de la dématérialisation informatique, des applications et autres logiciels.

Spider and I engage une réflexion sur l’effet de contamination qui brouille aujourd’hui les frontières entre l’humain, l’animal et l’artificiel. Cette réflexion part précisément du constat que la robotique, dans ses développements actuels, s’inspire de plus en plus d’éléments issus du vivant animal.

La pièce met en scène un hexapode, soit un robot à six pattes évoquant une grosse araignée mécanique, présente des comportements semblant alterner moments de calme et attitudes d'agressivité.
Ces changements de comportement sont directement liés à l'état émotionnel de l'artiste, équipé d'un bracelet connecté au cours des périodes d'exposition de l'oeuvre.

Stewart Brand occupe une place essentielle, celle du passeur qui au-delà de la technique fait naître les rêves, les utopies et les justifications auto- réalisatrices. Depuis la fin des années soixante, il a construit et promu les mythes de l’informatique avec le Whole Earth Catalog, le magazine Wired ou le système de conférences électroniques du WELL et ses communautés virtuelles. Aux sources de l’utopie numérique nous emmène avec lui à la découverte du mouvement de la contre-culture et de son rôle déterminant dans l’histoire de l’internet. « Ce livre réussit un véritable tour de force. Suivant la biographie de Stewart Brand, il dresse le portrait d’un personnage collectif : internet. En déplaçant l’attention des inventeurs vers les passeurs, Fred Turner offre une leçon de sociologie des sciences et des techniques. Toujours là au bon moment, Stewart Brand est le point d’intersection d’univers hétérogènes. Il amène le LSD dans les laboratoires du Stanford Research Institute, et introduit la micro- informatique dans l’univers pastoral des hippies… »

Fred Turner, 2013, Aux sources de l'utopie numérique : De la contre culture à la cyberculture, C&F Editions, 430 pages, 32,00 euros.

Distances est une œuvre interactive qui rapproche virtuellement des personnes n'étant pas ou plus en capacité de se toucher physiquement.

Cette œuvre est née en avril 2020 en réaction à la crise de Coronavirus qui nous a forcé à l'isolement et la distanciation physique avec autrui.

Dans cette installation, 2 personnes dans 2 espaces physiques séparés sont filmées en temps réel par 2 dispositifs. Elles sont invitées à nouer contact virtuellement au sein d'une même image les regroupant ensemble face à face. Le tête-à-tête proposé par le logiciel de l’œuvre s'évertue à réduire sans arrêt et au minimum la distance proxémique entre les 2 êtres. Les images de leurs visages, de leurs mains s'attirent, se repoussent, créant des jeux de rencontres éphémères singuliers avec l'autre.

Cette œuvre est participative dans son processus de création. Les 2 visiteurs en interaction en même temps deviennent les interprètes passagers d'une mise en scène. Celle-ci se renouvelle alors constamment pour les autres groupes de visiteurs observateurs présents dans le lieu d'exposition. Dans cette création, nous suscitons réactions et gestes chez les spectateurs en réponse à des contacts virtuels.
Ces contacts donnent à ressentir d'étranges sentiments réels chez le spectateur.

Il peut s'en trouver amusé, gêné, agacé, ou éprouver un certain plaisir à découvrir les limites de cette nouvelle forme de contact.

Cette œuvre s'inspire en partie de notre précédente création Rencontres imaginaires.
 

Installée en France depuis 2012, Rocio Berenguer s'intéresse aux grands enjeux et mutations de notre monde contemporain - parmi lesquels l'évolution des espaces de liberté individuelle au sein de notre société, la place des technologies dans notre quotidien, les questions d'écologie... Que ce soit dans Homeostasis#V2, autour du dialogue entre l'humain et l'intelligence artificielle, dans Ergonomics, inspiré par l'univers des start-up, G5, autour des menaces qui pèsent sur l'avenir de l'humanité et de la diversité des espèces, ses créations sont des fictions prospectives qui explorent la possibilité d'un «autre demain». S'y lisent aussi, en creux, nos névroses contemporaines.

G5
SPECTACLE / 2020
Durée : 80 minutes
Quel futur pour l’espèce humaine ? Loin des scénarios catastrophistes portés par les médias, Rocio Berenguer imagine une utopie, une réunion inter-espèces où les différents règnes du vivant – humain, animal, végétal, minéral, machine - sont invités à négocier ensemble autour des possibilités de leur coexistence.

G5 est un projet tripartite composé :
- d'un spectacle G5,
- une performance COEXISTENCE,
- une installation LITHOSYS.

G5 est un titre qui fait référence avec humour aux sommets type G8 ou G20.
Mais dans ce sommet-ci, point de gouvernements, ni de puissances financières mais la réunion des différentes espèces qui se partagent le globe : animale, minérale, végétale, humaine, machine pour débattre de l’avenir de la planète …

Ce projet veut tenter par la science-fiction un autre scénario possible de notre avenir et ouvrir le champ des utopies qu’il nous reste à construire. Notre système économique est en guerre contre notre planète, donner le statut de sujets et entités juridiques aux êtres vivants non-humains, pourrait être une façon de considérer et respecter les autres formes de vie sur terre.

DISTRIBUTION
Auteure, metteur en scène, création et montage vidéo et interprète: Rocio Berenguer
Régie Son, Développement, création voix et accompagnement artistique: Léopold Frey
Développement et design vidéo: Ben Kuper et Ferdinand Dervieux
Développement Robots et Régie: Sylvain Delbart
Scénographie: Mathieu Lorry-Dupuy
Création Lumière: Diane Guérin
Création Musique: Paul Loiseau
Costumes: Diana Dorado
Développement et Régie vidéo/son: Thomas Pachoud
Assistant mise en scène: Farid Ayelem Rahmouni
Traduction anglaise et interprète: Catherine Hargreaves
Interprète humaine: Estelle N’tsendé
Interprète Robot: Coco
Interprète Robot: Jean Claude
Interprète Animal: Ninja
Interprète Minéral: Météorite
Interprète Végétal: Liane

Transformer la mémoire d’un hôpital psychiatrique en fleuve, tel est le défi de cette sculpture vidéo, Fleuve (2020), dont la réalisation se finalisera sur le lieu d’exposition lors d’une résidence d’un mois réalisée en partenariat avec VIDEOFORMES.

Anne-Sophie Emard a imaginé que la mémoire de l’hôpital est semblable à une matière liquide qui charrie une quantité abyssale de souvenirs. Certains remontent à la surface, la majorité reste enfouie dans des profondeurs inatteignables. Comme le fleuve, cette mémoire traverse des contrées dont elle retient quelques images se reflétant dans ses eaux, des sédiments dont il faut étudier la composition et ses noyés dont on tait le nom.

Afin de mettre en œuvre cette « image », l’artiste a construit une sculpture entièrement modulable composée de 200 écoinçons dont les côtés sont recouverts de miroirs. Assemblés ils génèrent une surface de projection vidéo irrégulière et miroitante, comme celle d’une eau tumultueuse.

Dans cet ouvrage classique et visionnaire, il s'agit, à travers une comparaison entre sociétés humaines et réseaux artificiels, de souligner la valeur de l'être humain et la richesse de son langage, toujours précaires face aux intérêts et pouvoirs technocratiques qui cherchent à les instrumentaliser, les contrôler, et finalement les dénaturer.

Au-delà des enjeux stratégiques de la communication dans la vie sociale, Wiener propose de réinventer un humanisme bousculé par la capacité des machines à remplir des fonctions qui étaient jusqu'alors considérées comme réservées aux humains.

Norbert Wiener (1894-1964), mathématicien américain, est l'un des pères des théories de l'information, des communications et de l'automatique. Il a popularisé sa vision unifiée de ces domaines et de leur implication scientifique et philosophique sous le nom de " cybernétique ".

Norbert Wiener, 1952, Cybernétique et société. L'usage humain des êtres humains, 2014, Points: sciences, 224 pages.

« Le corps comme limite du code » 

Une installation interactive grandeur nature dans laquelle le visiteur, par ses "qualités de mouvements inhabituels”, a la capacité d’épuiser le code informatique et mener au « crash » le système numérique qui le suit à la trace et analyse ses moindres gestes. Via un réseau de neurones réalisé en collaboration avec Infomus (Centre de Recherche InFomus Casa Paganini, Gênes, Italie), ce laboratoire d’explorations corporelles, médié chorégraphiquement par de la performance dansée et le dispositif, s’explore à travers une perception physique, visuelle et sonore en temps réel, vision miroir de l’interprétation de ces gestes par la machine. Pour finir toutes ces captations erronées pour la machine mais de qualité pour l’humain seront collectées sous la forme d’une Partition d' "erreurs" gestuelles.

Production 2017-2018
Conception & création : Clément Barbisan (programmeur), Thomas Guillemet (artiste et designer), Jean-Marc Matos (chorégraphe)
Partenaires de réalisation : Pauline Lavergne (danseuse-performeuse), Yoan Rihouay (réalisateur vidéo), Stefano Piana (informaticien développeur InFomus Casa Paganini, Directeur. Antonio Camurri)

Partenaires : Pulsar The Open Art Prize, Fondation Groupe EDF, TechShop Paris/Ivry, Drac Ile de France, Le Centre d’Art Contemporain d’Auvers sur Oise, La Fondation de France, Station F, Accenture

Évadez-vous un moment sans bouger de la maison❗
Résolvez une enquête exclusive, immersive et complexe, explorez les lieux, trouvez des indices, combinez vos réponses et creusez-vous les méninges pour trouver la solution ! Que l’aventure commence !

En cette période de confinement, il vous est offert un moment d’évasion surprenant. Un véritable escape game à la maison. Partagez l’enquête à vos amis, jouez en famille, likez et donnez-nous votre avis très attendu. Et si vous aimez, on ne s’arrêtera pas là, la suite arrive avec le Chapitre 2 qui vient de sortir… Planet Expériences vous propose une véritable évasion.

Chapitre 1 :

Tout juste sorti de l'école de détective, vous avez décidé de vous installer à Lyon afin de commencer votre carrière de privé. Alors que vous êtes tranquillement chez vous, votre téléphone sonne. Au bout du fil, un homme à bout de souffle, il vous connaît et vous appelle par votre nom. Il vient de découvrir un corps et compte sur vous pour résoudre l'affaire avant que la police ne la classe. Il vous donne l'adresse puis raccroche en vous disant qu'il sera sur place. 

Chapitre 2 :

Cela fait maintenant 2 jours que vous avez croisé cette fameuse silhouette qui vous a remis dans le couloir cette chevalière, accompagnée de cette carte. Ces mots ne cessent de tourner en boucle dans votre tête : "Bienvenue parmi nous... LOKI ! ». Le jeu de piste commence et va vous emmener aux 4 coins de l’Europe !

Prisme 7 est un jeu vidéo ludique et pédagogique pour découvrir les œuvres majeures du Centre Pompidou et les principes de création artistique: Observer, Comprendre, Déconstruire, Créer.

Conçu par des artistes du numérique, Prisme 7 propose d'appréhender les caractéristiques plastiques et sensorielles des œuvres d'art, à travers une quarantaine de pièces emblématiques du Musée national d'art moderne.
Naviguant entre couleur et lumière, le joueur progresse en interagissant avec Le Rhinocéros de Xavier Veilhan, New York City de Piet Mondrian, Big Electric Chair d’Andy Warhol, ou les célèbres « tuyaux » du bâtiment du Centre Pompidou imaginés par Renzo Piano et Richard Rogers…
7 univers de jeu lui permettent d'explorer les relations entre couleur et fonction, couleur et émotion, ou encore lumière et immersion, et de constituer sa propre galerie d'art virtuelle.

Le jeu lui-même est artistique. Car l’avatar du joueur n’est pas un visiteur humanoïde ou une classique hybridation animale, il prend une forme de molécules lumineuse, fantomatique, qui se déplace magiquement dans des univers dont l’esthétique est inspirée par des œuvres d’artistes.

Sur fond de design sonore planant, créé par l’IRCAM, on s’immerge dans l’univers de Kandinsky pour ressentir la couleur comme force spirituelle où on plonge dans la foule urbaine (ça fait du bien par temps de confinement) de l’univers très coloré de Gérard Fromanger pour ressentir la puissance de la couleur sur le thème de l’engagement.

À travers ce jeu vidéo, le Centre Pompidou poursuit avec inventivité et audace sa volonté de s’ouvrir à tous les publics, à démocratiser l’accès à l’art. "Notre volonté c’est de toucher aussi un public différent de celui du Centre Pompidou, mais aussi le public du Centre Pompidou" confirme Patrice Chazottes. "C’est aussi un outil pédagogique formidable car il consiste à atteindre, étape par étape, une connaissance de l’art moderne et contemporain." 

Le jeu nous conduit devant les œuvres de Niki de Saint Phalle ('TIR' tableau-performance crée à partir de poches de peinture qu’elle fait exploser en leur tirant dessus à la carabine), les architectures abstraites de Donald Judd ou encore le Rhinocéros de Xavier Veilhan.

Et l’on se retrouve projeté au cœur du Centre Pompidou. Notre forme de molécule lumineuse se glisse dans les escalators et carrément dans les iconiques tuyaux de Renzo Piano et Richard Rodgers.

Une Immersion dans l’art ludique et très poétique. Ou comment aborder l’art sans complexe, en solo ou en famille.